Por Inácio Araújo

Um documentário em princípio vale menos que uma ficção, me parece, já que a realidade externa fornece boa parte dos elementos do filme.

Os desafios da mise-en-scène são muito menores no documentário do que no ficcional.

Mas os da montagem, não.

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NO GLOBO

A comédia dramática de Sofia Coppola ”Somewhere” (foto) e ”Black Swan”, de Darren Aronofsky, terão sua première mundial no Festival de Venecia, foi divulgado nesta quinta-feira.

Ao todo, 22 filmes de 11 países disputarão o prestigiado Leão de Ouro.

O diretor da Mostra, Marco Mueller, disse em uma coletiva de imprensa, que o filme de Aronofsky substituiu ”The American”, protagonizado por George Clooney, da seleção inicial. O longa de Clooney nem sequer será exibido no festival, e estreará nos Estados Unidos, contou Mueller.

O diretor alemão Tom Tykwer apresentará seu novo filme, ”Drei”, e o tunisiano Abdellatif Kechiche voltará a Veneza com ”Venus Noire”.

O festival, de 1º a 11 de setembro e terá 79 estreias mundiais no total.

Confira a lista dos selecionados para a disputa pelo Leão de Ouro:

”Black Swan,” de Darren Aronofsky, EUA

”La Pecora Nera,” (Black Sheep), de Ascanio Celestini, Itália

”Somewhere,” de Sofia Coppola, EUA

”Happy Few,” de Antony Cordier, França

”La Solitudine Dei Numeri Primi,” (”The Solitude of Prime Numbers”), de Saverio Costanzo, Itália

”Ovsyanki” (”Silent Souls”), de Aleksei Fedorchenko, Rússia

”Promises Written in Water,” de Vincent Gallo, EUA

”Road to Nowhere,” de Monte Hellman, EUA

”Balada Triste de Trompeta” (”A Sad Trumpet Ballad”), de Alex de la Iglesia, Espanha

”Venus Noire” (”Black Venus”), de Abdellatif Kechiche, França

”Post Mortem,” de Pablo Larrain, Chile

”Barney’s Version,” de Richard J. Lewis, Canadá

”Noi Credevamo” (We Believed), de Mario Martone, Itália

”La Passione” (The Passion), de Carlo Mazzacurati, Itália

”Jusan-nin no shikaku” (”13 Assasins”), de Takashi Miike, Japão

”Potiche,” de Francois Ozon, França

”Meek’s Cutoff,” de Kelly Reichardt, EUA

”Miral,” de Julian Schnabel, EUA

”Noruwei no mori” (”Norwegian Wood”), de Anh Hung Tran, Japão

”Attenberg,” de Athina Rachel Tsangari, Grécia

”Di Renjie zhi Tongtian diguo” (”Detective Dee and the Mystery of Phantom Flame”), de Tsui Hark, China

”Drei” (Three), de Tom Tykwer, Alemanha

E um filme surpresa.

Lançamento de 80 Cult Movies Essenciais será na quinta, 29, às 17 horas, na Cooperativa Cultural, na UFRN. O convite foi enviado pelo pluralista João da Mata, que convida a todos para o lançamento.

Por e-mail, o escritor Fernando Monteiro envia link de texto em homenagem ao cineasta brasileiro Alberto Cavalcanti:

“Tácito,

Aqui uma nova homenagem inglesa a Alberto Cavalcanti [por Nick James], como ainda não foi feita aqui no Brasil…”

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Hayao Miyazaki é um dos maiores cineastas vivos – talvez o maior deles. Este início joãodamatiano foi apenas uma isca para aqueles que, ao lerem a sentença, torceram a cara e pensaram: ‘quem djabo é Hayao Miyazaki?’.

(e aqui confesso que sempre titubeio ao tentar escrever o nome do cara)

O velhinho, que foi redescoberto pelo mercado internacional (leia-se EUA) em 2003, com A Viagem de Chihiro, tem uma longa estrada no Japão e, se você não o conhece, ou duvida de mim, é porque tem olhado pro lado errado do cinema.  Miyazaki faz desenho animado (ou animação, como diz o povo sério).

Pois bem. Sabe aquele desorientamento do juízo que dá quando você se depara com momentos de genuína beleza na arte, seja qual for? Num tem gente até que chora? ‘Ponyo – Uma amizade que veio do mar’, o filme mais recente do japa, oferece uma carrada deles.

A história é o desenrolar da amizade e amor que nasce entre o peixinho mágico Ponyo e Sosuke, um menino de cinco anos. A imaginação delirante de Miyazaki se faz notar logo na sequência de abertura, com a fuga de Ponyo do reino mágico subaquático para a superfície. Apenas com música e imagens – e que imagens, é uma referência-homenagem-diálogo com Fantasia, obra máxima de Disney (o homem, não a máquina de fazer filmes).

Por sinal, Ponyo é uma parceria entre o estúdio de Miyazaki, o mítico Ghibli, com a Disney. A injeção de grana e um empurrãozinho na distribuição internacional dados pela empresa norte-americana ajudaram o filme nas bilheterias. Lá no Japão derrubou até Batman – Cavaleiro das Trevas, quando foi lançado em 2008. Fez tanto sucesso que demorou só dois anos para entrar em cartaz aqui em João Pessoa. Parece mentira. Pelo menos passou, aí em Natal nem isso, acho.

Não bastasse o universo fantástico criado pelo diretor, no qual convivem sem o menor sobressalto poções mágicas capazes de manipular DNA, peixes devonianos, tsunamis em forma de cardume, uma Iemanjá tirada sabe-se lá de qual tradição milenar japonesa e gente como a gente vivendo sua vidinha na boa, há um apuro técnico de impressionar.

O cuidado com a qualidade do desenho pode ser notado em detalhes como a chuva sobre o parabrisa sendo vista de dentro do veículo, ou como quando, ao menino sair da água, as manchas d’água deixadas pelas pegadas dele na calçada vão sutilmente se alargando depois que ele passa.

Estão lá também traços comuns a vários filmes do cineasta, como o contraponto entre a natureza e o homem, a magia e a tecnologia, e ainda a crítica à poluição. Agora, o principal mérito de Ponyo é como Miyazaki trabalha elementos da infância a favor de sua história e das imagens que constrói. É também a chave para conquistar a criançada que assiste.

O mundo que conhecemos é desprovido de magia justamente porque nós o conhecemos, nomeamos, estudamos, analisamos (como bem nos lembra Walter Benjamin). Por isso, num dado momento, a personagem da deusa do mar cita que o auge da magia foi na era Devoniana (Wikipédia, please), um tempo antigo, anterior ao homem e, portanto, desconhecido.

O mundo de Ponyo é belo e fascinante, mas quando ele entra em contato com o ‘nosso’, uma sensação de medo e insegurança ante o absurdo. A fascinação se dá porque, mesmo sendo maravilhoso, o desconhecido e grandioso amedronta. Quer maior fonte de mistério e perigos do que o mar e sua imensidão?

No entanto, Hayo quer as crianças vidradas na tela, não caindo no choro. Por isso, mesmo com os espectadores estupefatos ante o fantástico, os personagens da película reagem de modo natural à modificação de seu cotidiano pelas criaturas mágicas, acrescentando um toque surreal à narrativa.

Outro elemento de identificação está na intermediação oferecida ao público pelo protagonista – geralmente uma criança, como em Chihiro e, se não me engano, em O Castelo Animado. Pode não parecer verossímil que as pessoas lidem numa boa com criaturas extraordinárias que elas jamais viram antes. Mas o mundo sempre pode se revelar de um momento para o outro  num lugar fantástico, aos olhos de qualquer criança de cinco anos.

Ponyo é daqueles filmes que dá vontade de assistir com mãe do lado. Segurando no braço e pedindo colo.

***

A título de adendo: nesses tempos bicudos, tive até medo de ficarem me achando com cara de pedófilo quando entrei sozinho na sessão para ver o desenho.

Outra: pretendia emendar a sessão com Predadores, mas saí tão de bobeira do cinema que encarar qualquer outro filme no mesmo dia seria um pecado. Fui pra casa.

Godard inicia “O Desprezo” com uma citação atribuída a André Bazin: “O cinema substitui nossa visão por um mundo mais em harmonia com os nossos desejos”.

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Por Inácio Araújo

A um primeiro olhar, “Vencer” é a história de amor entre um jovem Vittorio Mussolini e Ida Dalser, do qual resultou um filho, também por nome Benito. Essa segunda família Mussolini abandonará para melhor desenvolver sua carreira política à sombra do casamento legítimo. O problema do Duce será então apagar os traços da família paralela. O de Ida Dalser, evitar o que aconteça: é uma ópera, em certo sentido.

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Quem batalha nestas trincheiras sabe que a oportunidade miraculosa de virar sucesso da noite para o dia é mais lenda que fato. Lançar e principalmente estabelecer uma carreira na industria – aqui ou em qualquer mercado desenvolvido – é quase sempre o resultado de muito trabalho, paciência, talento e sorte, em doses mais ou menos iguais.

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É legal quando você faz um documentário sobre como a grande mídia distorce a realidade e a resposta da mídia ao filme comprova a sua argumentação. Na verdade, a resposta da mídia ao documentário South of the Border, de Oliver Stone, que eu escrevi com Tariq Ali, realmente completa alguns dos argumentos do filme.

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Por Gilles Lapouge
Estadão

Roman Polanski deixou seu chalé em Gstaad, na Suíça, e a pulseira eletrônica que o impedia de fugir, depois de ficar preso em casa de dezembro de 2009 a julho de 2010. A penitência lhe foi imposta pela Justiça suíça a pedido dos Estados Unidos, que pediam a extradição do cineasta para responder perante um juiz americano por fatos ocorridos há mais de 30 anos, em 10 de março de 1977, em Los Angeles. Naquele dia, Polanski manteve relações sexuais com uma menina de 13 anos, Samantha Geimer. Uma relação densa pela qual acabou sendo acusado de seis crimes, entre eles estupro e sodomia. Ele se declarou inocente.

Polanski é um dos maiores cineastas de todos os tempos. Suas atribulações inflamaram os espíritos: uns queriam sua caveira, porque violar uma criança de 13 anos é algo que não tem perdão; outros o defenderam, afirmando que esses horrores sexuais eram coisa antiga e os americanos não respeitaram um acordo extrajudicial de 1977. Por dois meses, ambos os lados, o da virtude e o do perdão, se insultaram. O que se pôde constatar foi que um profundo fosso cultural separa os americanos e a França. Puritanismo americano contra a tolerância ou indulgência francesa (quem sabe europeia)?

Nos EUA, jornais perseguiram Polanski. O Los Angeles Times e o Washington Post rejeitaram o argumento da antiguidade dos fatos: “Estuprar uma menina de 13 anos é imperdoável, mesmo depois de 30 anos”. O New York Times lembrou que um “gênio não está acima da lei”. Escritores americanos se calaram. Cineastas e atores condenaram Polanski. O governador da Califórnia, Arnold Schwarzenegger, pediu a extradição. Kirk Douglas recusou apoio ao diretor.Por outro lado, Woody Allen, Martin Scorsese e David Lynch condenaram a sanha dos americanos.

Na França, foi o contrário: escritores, cineastas e alguns políticos uniram-se na defesa de Polanski, Jean-Luc Godard à frente. Bernard-Henry Lévy declarou sua enorme alegria por Polanski ter sido libertado, bem como dois ministros de Nicolas Sarkozy, o da Cultura e o das Relações Exteriores.

Os suíços estão divididos. Uns assumiram uma atitude severa em relação a Polanski, por reflexo moral e respeito à questão “jurídica”. Mas muitas vozes deploram que a Suíça se tenha rebaixado a aceitar o princípio da extradição do cineasta. Eles se contrapõem ao “servilismo” das autoridades suíças no contexto de uma queda de braço que opunha, havia um ano, Berna a Washington, quando os EUA lançaram forte ofensiva contra a Suíça, o país da “lavagem de dinheiro”.

Será possível deixar os dois lados se digladiando com seus argumentos morais, jurídicos, políticos e filosóficos para esclarecer a dimensão romanesca do caso e do destino de Roman Polanski? O destino dele foi marcado desde o começo pelo bizarro, o excessivo, o absurdo, e foi pintado com cores de pesadelo. Nascido na França, dois anos depois seus pais decidiram voltar para a Polônia, atravessando a Alemanha de Hitler. Com a guerra, em 1939, o pai e a mãe foram enviados para campos de concentração. Roman ficou no gueto, mas conseguiu fugir e se salvou hospedando-se em casas de famílias católicas.

Formado em cinema na Polônia, e já atraído pelas situações bizarras e pelo humor negro, realizou Uma Faca na Água, primeira obra-prima que mereceu a capa da Times. Optou por trabalhar na França, onde seguiram-se dois filmes cult, Armadilha do Destino e Repulsa, duas obras repletas de angústia com o mesmo domínio da forma dos filmes de Hitchcock. O espectador é “encarcerado” em um labirinto. Hollywood não poderia perder esse gênio e Polanski correu para a América, onde fez A Dança dos Vampiros e O Bebê de Rosemary. Filmes soberbos, mas assustadores, repletos de sangue, misticismo, bruxaria.

Obcecado pelas mulheres, casou-se aos 35 anos com a magnífica Sharon Tate. Dezoito meses depois, ela foi assassinada por um bando liderado pelo sórdido guru Charles Manson. De volta a Hollywood depois de cinco anos terríveis, fez com Jack Nicholson um fantástico filme policial, Chinatown. Foi aí que se entregou a um comportamento criminoso com a menina Samantha. Deixou os EUA e foi viver na França. Casou-se com uma atriz francesa, linda e jovem, Emmanuelle Seigner, com quem teve dois filhos. Parecia mais calmo, mas, com Emmanuelle como protagonista, realizou um filme mais obcecado do que nunca pelos temas sadomasoquistas, Lua de Fel. Aos 72 anos, voltou às amargas alegrias da infância com a adaptação da obra-prima de Dickens, Oliver Twist.

Universalmente admirado, feliz com a família, estaria enfim caminhando para uma velhice ativa e fecunda? Mas a cena do estupro não fora esquecida. A lembrança, que ainda se move de modo subterrâneo de um tribunal para outro abateu-se sobre ele quando a Suíça o condenou a prisão domiciliar.

Libertado, prepara-se agora para retomar a câmera, com um roteiro no qual trabalhou durante a solidão do chalé. Trata-se de um romance da grande escritora francesa Yasmina Reza: numa briga entre amigos, um desfigura o outro. Os pais das crianças decidem conversar “como pessoas civilizadas”. Mas o encontro fracassa e se transforma em um ato burlesco, um pesadelo.

Por que Yasmina Reza quis que esse belo romance fosse levado ao cinema por Roman Polanski? “Porque”, ela explicou, “Roman Polanski é um gênio dos temas huis-clos (tabu).” O título do filme? Le Dieu du Carnage (O deus da matança).

* Tradução Anna Capovilla

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JOÃO PEREIRA COUTINHO
FSP

“Brilho de Uma Paixão” não é só uma história de amor; é um filme sobre a sombra de morte sobre a história

SERÁ POSSÍVEL que Jane Campion tenha dirigido um filme notável? Aconteceu. Ninguém diria. Campion, uma diretora que sempre gostou de abusar nos temperos (lembrar “O Piano” ou “Retrato de uma Mulher”), permitiu que “Brilho de Uma Paixão” respirasse por sua conta e risco.

O filme, atualmente em exibição, pretende narrar a história de amor entre John Keats, o maior dos poetas românticos ingleses, e a vizinha Fanny Brawne, uma “fashionista” antes das “fashionistas”, embora com pergaminhos familiares.

O filme não diz, mas Brawne era sobrinha de “Beau” Brummel, o primeiro dândi moderno e o gênio a quem nós, homens, devemos o blazer. Quando estou em Londres, gosto sempre de passar pela estátua do cavalheiro e prestar a minha homenagem. Mas divago.

Ou não divago. Brummel, contrariamente à ideia que temos dos dândies, foi um revolucionário ao simplificar o modo de vestir: nas cores e nos cortes. Keats fez o mesmo na poesia, resgatando um sensualismo primordial que os críticos coevos tomaram por infantil ou anedótico.

Enganaram-se. Barbaramente. Mas Jane Campion não se enganou. O tom do filme é contido, quase desprovido de esforço ou artifício.

Os atores não existem para representar; eles existem para serem Keats (Ben Whishaw) e para serem Fanny (Abbie Cornish). Todos falam e agem como se fossem nossos vizinhos. Ou, melhor, como se nós fôssemos seus vizinhos e estivéssemos a espreitar pelo buraco da fechadura, como nos quadros de Vermeer.

E sobre as palavras que povoam o filme, Campion soube usar as cartas e os poemas de Keats com maestria hermenêutica, dedilhando com eles a gramática básica dos apaixonados em monólogos, diálogos, cartas.

“Brilho de Uma Paixão” começa por oferecer essa gramática; uma gramática sobre “a santidade dos afetos do coração”, como afirma Keats, e nós vamos acompanhando a evolução desses afetos, apresentados na sua forma mais bela, despojada, dir-se-ia até pueril.

Fanny conhece Keats de forma casual, sem os heroísmos habituais dos filmes de época; em seguida, procura conhecer os seus poemas. Compra e lê “Endymion”, o poema que a crítica, sempre inteligente, ridicularizou a golpes de maldade.

E quando o reencontra dias depois, diz-lhe com uma honestidade tocante: “Não estou certa de ter gostado de “Endymion”, mas o começo é algo de perfeito. Não conheço palavras mais sábias e premonitórias”.

É o princípio de uma história de amor, embora “amor” seja termo assustador e ambíguo para o assustadiço e ambíguo Keats.

Mas ele cede. E cede porque sabe: três dias de paixão são mais valiosos do que 50 anos de banalidade, escreve ele numa missiva. Mesmo que os dias sejam fugazes e, como na vida das borboletas, mortais.

É por isso que “Brilho de Uma Paixão” não é apenas uma história de amor. É um filme sobre a sombra de morte que paira sobre a história.

É o próprio Keats quem o afirma, uma vez mais, em carta a Fanny. Ele só tem dois luxos nas suas caminhadas solitárias: o amor que sente por ela e a certeza do fim. Um paradoxo? Nenhum paradoxo. Só a certeza do fim revaloriza e intensifica o amor por Fanny.

Para Keats, o fim chegaria aos 25 anos com a doença romântica por excelência: a tuberculose, essa “morte branca” que ceifara igualmente a mãe e o irmão. E que o poeta sempre pressentiu que o acabaria por visitar também.

Nunca presenciamos essa morte, que acontece longe, na amena Itália. Distante dos olhos de Fanny.

Mas o filme termina com ela. E ao contemplarmos o seu rosto funesto a deambular pela neve, é impossível não relembrar o primeiro poema de Keats que ela leu. E no qual pressentiu a perfeição do seu começo. “Uma coisa bela é uma alegria para sempre.”

Verdade. Absoluta verdade. A beleza pode ser fugaz e perecível. E talvez por isso ela nos comova tanto: porque a sabemos frágil e condenada; porque nos sabemos frágeis e condenados.

Mas enquanto existirem olhos que a contemplem, ela será eterna para nós.

Foto: cena de Andrei Rublev

No link abaixo, filmes do grande diretor russo Andrei Tarkovsky para downoload grátis.

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A avalanche de filmes digitais é impressionante. Qualquer pessoa pode, agora, fazer um filme e se intitular cineasta. O fazer cinema perdeu seu mistério e a sua magia. Claro, há a possibilidade de que qualquer se expresse por meio das imagens em movimento, o que é democrático. Ouso comparar o fazer cinema, hoje, com os poetas de antigamente. Em tempos não tão priscas assim, as pessoas viviam a cometer poesias e ficavam satisfeitas quando uma delas era publicada em jornais e revistas. Mas se existia muitos versos, poucos os poetas verdadeiros. Tinha-se, na verdade, uma enxurrada de versejadas.

Aplico o dito aos filmes feitos em digital por qualquer mané. O lixo da história está cheio desses arroubos expressivos e o tempo será o seu maior juiz. Pelo que tenho visto, a maioria dos filmes realizados em digital é de péssima execução cinematográfica, principalmente os curtas realizados por amadores. Para se fazer um filme é necessário, salvo raras exceções (como o documentário filmado in loco), uma elaboração a priori, um pensar cinematográfico antes da execução propriamente dita. Os cineastas digitalizados, porém, na sua grande maioria, preferem pegar a câmera e ir logo filmando. Os resultados, como não poderiam deixar de ser de outra forma, são lamentáveis.

Nelson Pereira dos Santos, numa palestra no Memorial da América Latina, há algum tempo, disse que não gostava da expressão audiovisual para a denominação de tudo que fosse imagem em movimento. Qualquer filme é chamado de produto audiovisual, o que, para ele, não expressava bem o significado e a dimensão do cinema. Quando se fala cinema, segundo Nelson, vem logo à mente nomes como Orson Welles, Fellini, Luchino Visconti, Roberto Rossellini, entre outros, ao passo que quando se fala em audiovisual nada vem à lembrança. Concordo em gênero, número e grau com esta opinião.

Está a acontecer uma revolução no audiovisual e ainda não cheguei a um processo mais consciente do que se encontra por vir. As imagens em movimento perderam a sua magia de somente serem vistas nas salas exibidoras e tomaram uma amplitude nunca dantes imaginada. Estão por toda parte: nas gigantescas televisões de plasma, nos DVDs, nos celulares, nos computadores. Baixa-se filmes a torno e a direito pela internet. O filme, algo meio inacessível, como em coluna passada me referi com um caso, hoje se vulgarizou a tal maneira que se pode encontrar no balaio das Lojas Americanas obras-primas a preço de banana. Ou espalhadas pelo chão das ruas e avenidas das cidades em cópias piratas. É verdade que, nesta oferta, predominam os filmes inferiores, para consumo imediato, mas, de repente, vê-se um grande momento do cinema à disposição do cliente transeunte.

Os eventos cinematográficos se proliferam e em qualquer cafundó de judas há atualmente a realização de um festival de cinema (apoiados, diga-se assim de passagem, pelas burras da Viúva). Muitos deles são bons e proveitosos, mas não se pode negar que alguns cheiram a picaretagem. Abre-se uma produtora com fito cultural e basta apenas captar patrocínios. Os organizadores gastam o necessário e o troco fica com eles. Urge que os órgãos governamentais tenham mais rigor ao patrocinar tais eventos, pois muitos não passam de pura picaretagem.

Há também uma profusão de oficinas, mesas redondas e quadradas, seminários disso e daquilo, alguns chatíssimos, recorrentes, repetitivos. Para ficar num só exemplo: a das oficinas de crítica cinematográfica., que, geralmente, são realizadas em dois, três dias. Creio-as um absurdo, um non sense. Como se pode ensinar a ver um filme em tão pouco tempo? E, principalmente, criticá-lo? A crítica é a arte da paciência, como disse uma vez o grande Inácio Araújo. Antes de mais nada, o vestibulando a crítico deve ver e ver filmes e, para alcançar um razoável repertório cinematográfico somente o tempo está a seu favor. É preciso se entender que o cinema é uma estrutura audiovisual, que tem uma linguagem autônoma. A crítica, portanto, é um processo a posteriori. Mas, na geleia geral na qual se afundou o audiovisual, assim como todo brasileiro se considera um técnico de futebol, também se acha apto para criticar um filme. Confesso que ministrei uma oficina de crítica, mas, num processo de autocrítica, nunca mais a farei. Tenho, também, culpa no cartório, mas, creio no meu bom senso, e, se o tenho, não participo mais de tais oficinas, que, no meu bom tempo, conhecia-as para conserto de carros e bicicletas.

A concentração de filmes numa determinada mostra é contraproducente. Segundo Georges Sadoul, famoso historiador de cinema francês, na introdução de seu Dicionário de Filmes, os filmes gravados na memória tendem a se confundir. Conta que passou décadas a analisar uma sequência de determinada obra cinematográfica vista há muito tempo e que a tinha como fundamental. Quando teve a oportunidade de vê-la, constatou, estupefato, que ela não existia no filme que anunciava. Pertencia a outro.

Como no título da antologia de críticas de Antonio Moniz Vianna, um filme por dia é o ideal de contemplação de um cinéfilo – até poderia conceder: no máximo dois. Há pouco tempo, no entanto, os eventos cinematográficos que se faziam no Brasil não empurravam, cinéfilo abaixo, uma avalanche de filmes. É bem verdade que da profusão pode aquele que se interessa escolher os mais interessantes e deixar os outros para uma próxima ocasião – se a houver.

Cada vez mais fica imperativo que se refine o que se vai ver. O ideal também é que se refinasse mais o que está a ser produzido. Uma das metas do cinema brasileiro deveria ser esta: não aporrinhar o pobre do cinéfilo já tão aporrinhado com as coisas da vida.

Acabei há pouco a leitura de Meridiano de Sangue, de Cormac McCarthy, relançado no ano passado pela Alfaguara, e fui conferir na net o que os críticos escreveram. Deparei com dois textos bem interessantes (links no final). Antes já tinha trocado impressões da leitura, via e-mail, com Rodrigo Levino, fã do escritor americano.

Uma obra marcante, sem nenhuma dúvida, que arrancou elogios rasgados de Harold Bloom. Violentíssima, porém, aviso logo, porque tem leitor que não suporta isso. Embora, paradoxalmente, com uma linguagem bastante poética.

Ficou na minha cabeça, até esse momento, como o livro mais violento que já li. Seus personagens remeteram-me aos grandes de Shakespeare, como Macbeth e Ricardo III, e também a Ilíada. Pode parecer desmedida a comparação, mas veio automaticamente. Bloom cita Faulkner e Melville como referências, o que não é pouco, convenhamos.

O juiz Holden, que não é o protagonista (e acaba sendo), rouba a cena. Lembrou-me o coronel Kurtz, de Apocalipse Now, de Coppola. Cormac também teve duas obras suas transpostas para o cinema, A Estrada, que entrou em cartaz no primeiro semestre deste ano, e antes Onde os fracos não tem vez, dirigido pelos irmãos Joel e Ehan Coen. Abaixo os links, resenhas das revistas Bula e Bravo.

aqui e aqui

Um dos trechos que sublinhei:

“A verdade sobre o mundo, disse, é que tudo é possível. Não o houvessem visto todos vocês desde o nascimento e desse modo o dissecado de toda sua estranheza ele se lhes revelaria tal como é, um truque com cartola num espetáculo mambembe, um sonho febril, um transe superpovoado de quimeras sem análogo nem precedentes, um parque de diversões itinerante, uma feira ambulante cujo destino último após incontáveis tendas erguidas em incontáveis terrenos barrentos é inexprimível e calamitoso além de todo entendimento. (Holden)

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Foto: cena de Chinatown

Suíça liberta Polanski e decide não extraditá-lo aos Estados Unidos. Bracelete eletrônico que o cineasta usava desde dezembro foi retirado. Segundo ministra, ‘medidas de restrição de sua liberdade serão suprimidas’.

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