Retrato do professor da Unicamp, Fausto Castilho, que está lançando tradução de “Ser e Tempo”

Foto: Alessandro Shinoda/Folhapress

Por Marcio Aquiles
FSP

Em 1949, com o ar parisiense ainda saturado dos traumas do pós-Guerra, Fausto Castilho, então estudante de letras e filosofia na Sorbonne, dirigiu-se a uma livraria à cata de uma edição de “Sein und Zeit”, de Martin Heidegger.

Conseguir “Ser e Tempo”, a grande obra do filósofo alemão, que maculara seu nome ao aderir ao regime nazista, não era das coisas mais fáceis na França daqueles tempos.

Castilho achou, em uma livraria próxima ao seu apartamento, um exemplar da “edição nazista”, de 1941, que teve a dedicatória a Edmund Husserl eliminada –pai da fenomenologia e professor de Heidegger, Husserl era judeu.

Desde então, Castilho, 82, vem traduzindo “Ser e Tempo”. Sua versão dessa obra fundamental sai em maio, pela editora Unicamp em parceria com a Vozes.

PERCURSO FILOSÓFICO

Fausto Castilho chegou a Paris aos 18 anos, falando francês fluente e munido de uma carta de recomendação escrita pelo crítico literário Antonio Candido.

Amigo de Candido, o crítico de cinema Paulo Emílio Salles Gomes (1916-1977) o recebeu e providenciou sua nova residência, na praça da Sorbonne. “Ele me disse: ‘Você agora vai ficar prisioneiro desse recinto’. Dito e feito.”

Na instituição francesa, teve entre seus professores Merleau-Ponty, Jean Piaget e Gaston Bachelard, que naquele momento já haviam publicado ou estavam por publicar textos de importância seminal para seus campos.

“Quando Merleau-Ponty soube que Heidegger voltaria a lecionar em Friburgo, disse que eu deveria ir para lá fazer seu curso, e eu fui”, afirma.

Na Alemanha, conta, “sentava na primeira fila”. “Mas a presença física de Heidegger não era agradável, pois eu ficava me lembrando do [seu passado na universidade como] reitor nazista”.

O primeiro contato de Castilho com a obra de Martin Heiddeger fora ainda antes de sua ida à Europa, por meio de uma edição da revista francesa “Les Temps Modernes” que tratava do alinhamento do filósofo ao ideário nazista.

“Heidegger carrega essa ambiguidade. Desde a minha adolescência ele representa para mim essa dicotomia de ser um filósofo excepcional, mas que aderiu ao nazismo.”

COMITÊ DE APROVAÇÃO

A fim de conseguir a aprovação do comitê Heidegger –chefiado por seu filho Hermann– para uma nova publicação, foram encaminhadas à Alemanha traduções que Castilho tinha feito de Kant e Descartes, para demonstrar seu apuro técnico.

A edição bilíngue, que Castilho diz acreditar ser a única em idiomas ocidentais, está em processo final de revisão.

“Traduzir esse livro exige uma confissão de modéstia. Vejo o trabalho como uma sugestão de leitura numa língua que não é a do autor.”

Ao longo dos anos, Castilho leu todas as traduções disponíveis em inglês, italiano, espanhol e francês.

“Naturalmente eu fui me apropriando de algumas soluções propostas por todos eles. Uma tradução é algo aproximado”, diz.

Entre as dificuldades de transpor o texto para o português, Castilho cita as especificidades de alguns conceitos heideggerianos.

Ele critica a “liberdade filosófica” que introduz “transformações radicais” –mesmo se, para um leigo, essas transformações possam parecer sutis, como a inclusão de artigos no título, mudando-o para “O Ser e O Tempo”.

O rigor que Fausto Castilho demonstra e sua posição de ex-aluno do alemão dão peso à nova tradução.

Na academia, ele é um intelectual respeitado, com passagens como professor pela USP, Unesp e Unicamp.

No Brasil, como em seu período europeu, Castilho continuou tendo contato com artistas e intelectuais que moldaram seu meio no século 20.

Em 1960, quando o francês Jean-Paul Sartre estava no Recife, Castilho encaminhou ao filósofo uma pergunta sobre a relação entre teoria e prática em sua obra. Sartre afirmou precisar de um seminário para respondê-la.

“Ele fez questão de responder à minha pergunta pessoalmente em uma conferência, que ele preparou na biblioteca de meu apartamento. E olha que Simone de Beauvoir não queria ir a Araraquara.”

A blogueira cubana Yoani Sánchez, crítica do regime comunista da ilha, divulgou no início da madrugada deste sábado (horário de Brasília) em sua conta do Twitter a gravação da conversa que teve com a funcionária do governo cubano, na qual foi negada pela 19ª vez permissão para ela deixar o país.

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Ilustração para a música “Tropicália” do Caetano Veloso

Por Ana Clara Brant
ESTADO DE MINAS – VIA CONTEÚDO LIVRE

Há 90 anos, o Brasil era sacudido pela Semana de Arte Moderna. Movimento está na base da Tropicália, que completa 45 anos do lançamento de seu disco-manifesto

Criatividade, inquietude, inovação, experimentação e, sobretudo, liberdade. Substantivos que podem definir dois movimentos culturais que revolucionaram o país e estão intrinsecamente ligados: a Semana de Arte Moderna de 1922, que completa 90 anos neste mês, e o Tropicalismo, que celebra o seu 45º aniversário em 2012. A frase “O Tropicalismo é um neoantropofagismo”, dita por Caetano Veloso, um dos principais expoentes tropicalistas, é um resumo de como as duas coisas estavam conectadas.

“O Tropicalismo foi, de certa forma, a última onda do Modernismo. Há uma forte presença de alguns personagens da Semana de 22, como Oswald de Andrade, com a ideia de antropofagia que estava presente no trabalho de tropicalistas como Hélio Oiticica (pintor, escultor e artista plástico), que foi quem deu nome ao movimento a partir de sua obra Tropicália; na peça encenada pelo grupo de José Celso Martinez, O rei da vela, que é de Oswald também. No cinema, temos referências como o Macunaíma, de Mário de Andrade, rodado por Joaquim Pedro de Andrade; e Villa-Lobos nas trilhas dos filmes do Glauber Rocha. Sem dúvida, as relações são estreitas e vejo o Tropicalismo como uma expansão do Modernismo”, opina o jornalista e escritor Marcos Augusto Gonçalves, que acaba de lançar 1922 – A semana que não terminou (Cia das Letras) que mostra como o evento realizado em fevereiro daquele ano no Theatro Municipal, de São Paulo, continua influenciando gerações e provocando discussões. “O acontecimento foi concebido para marcar mesmo e por isso até hoje é uma referência. O Modernismo deixou um legado de pesquisa estética, de experimentação; uma liberdade do artista em trabalhar com diferentes linguagens e não se submeter às regras”, pontua Marcos.

Vários eventos já estão programados para lembrar os 90 anos da Semana de Arte Moderna, inclusive no Theatro Municipal da capital paulista, que terá uma programação especial entre os dias 15 e 26 (www.prefeitura.sp.gov.br/cidade/secretarias/cultura/theatromunicipal). Em Belo Horizonte, o Museu das Minas e do Metal vai promover às quintas-feiras deste mês atividades que irão debater os desdobramentos e a importância dos 90 anos da Semana de 1922 e os 45 do Tropicalismo.

Um dos palestrantes é o professor da Faculdade de Comunicação e artes da PUC Minas e doutor em Artes pela ECA/USP Eduardo de Jesus, que vai falar sobre a herança do Modernismo e como ela se manifesta hoje. Segundo ele, a Semana foi um momento de ruptura muito intenso na cultura brasileira, aliado ao que ocorria nas vanguardas históricas pelo mundo, e que um dos pontos altos que ela proporcionou foi o rompimento com uma espécie de academicismo vigente. “Fora que ela promoveu uma abertura, uma aproximação em termos modernistas entre arte e vida, seja a música, a pintura, a escultura. E ainda trouxe um olhar renovado para as tradições populares e questionou situações sociais e políticas da época”, analisa.

Identidade

Assim como a Semana de 22, a Tropicália estava em busca de uma identidade cultural própria, incorporando e valorizando elementos nacionais em sua predominância, sem, no entanto, abrir mão de valores estéticos estrangeiros. Essa é uma das características mais relevantes apontadas pelo jornalista e escritor Marcos Augusto Gonçalves. No evento modernista, pela primeira vez, surgiu a ideia de que a arte brasileira estava inserida em um contexto internacional e isso também estava forte quatro décadas depois, com o Tropicalismo. “A Semana de 22 era uma espécie de nacionalismo internacional; era nosso e de todos ao mesmo tempo e isso se repetiu com o Tropicalismo, que logo foi considerado como algo de fora, estrangeiro, já que incorporou elementos novos como a guitarra, na música, por exemplo”, explica.

O cantor e compositor Arnaldo Baptista, um dos representantes do Tropicalismo e que inclusive está na capa do disco que marcou os primórdios do movimento, Panis et circenses ou Tropicália, também comenta sobre as influências estrangeiras, como os ícones da contracultura inglesa e dos hippies norte-americanos. O ex-Mutantes conta que muita gente torceu o nariz na época para as novidades lançadas, especialmente a introdução da guitarra e do contrabaixo elétrico, mas que os artistas não se importavam. “Ninguém aqui conhecia esse lado da música eletrônica. A Tropicália era uma mistura de Liverpool com Nova York e Salvador. Da Bahia vieram as influências indígenas, revelou a música nordestina e ao mesmo tempo a gente copiava as mudanças estrangeiras. Mas nunca íamos imaginar que o movimento ganharia a proporção que ganhou”, admite.

Arnaldo desenvolve atualmente o projeto Sarau o Benedito, em que, acompanhado de um amplificador e de seu piano de cauda, apresenta seu repertório de composições. “Acabo tendo mais liberdade e é meio no improviso. Quero levar adiante esse projeto, inclusive espero tocar em Belo Horizonte, se for convidado, porque tem a satisfação do público e a minha própria. Acho até que o som que faço hoje, ainda mais que é um ‘solo voador’, como costumo dizer, é até um pouco parecido com o que eu fazia na época da Tropicália”, opina.

Além das influências internacionais, a introdução da guitarra e o resgate de canções populares, o cantor, compositor e professor de teoria literária na USP José Miguel Wisnik diz que vê o legado da Tropicália presente em vários aspectos e realmente não há como negar a relação do movimento com a Semana dos modernistas. Wisnik defende que o Tropicalismo não se fechou em círculos e assumiu a nossa diversidade cultural, seja pelo confronto ou pelo diálogo.

“Vejo marca da Tropicália em tudo. A Rita Lee brigando com a polícia é Tropicália, a música do Arnaldo Antunes tem referências também; a importância que o rap ganhou e como ele se fundiu com outras coisas é outro ponto. Tudo isso tem a ver também com o traço antropofágico brasileiro. Há um movimento de marcar essa permeabilidade que tem a ver com o modernismo e a antropofagia. Nos anos 60, a Tropicália reencenou questões – porém pelos meios de comunicação de massa –, que haviam sido levantadas em 1922. Essas questões ressurgiram de maneira diferente, mas ainda estão presentes e incorporadas na nossa vida e na nossa cultura até hoje”, conclui Wisnik.

Semana de Arte Moderna de 22

Ocorreu em São Paulo nos dias 13, 15 e 17 de fevereiro de 1922, no Theatro Municipal. Cada dia da semana foi dedicado a um tema específico: pintura e escultura, poesia, literatura e música. A Semana de 22 representou a renovação de linguagem na busca de experimentação e na ruptura com o passado. Entre os principais participantes estavam Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Manuel Bandeira, Anita Malfatti, Heitor Villa-Lobos, Tarsila do Amaral e Di Cavalcanti.

Tropicalismo

Surgiu entre 1967 e 1968, no contexto dos festivais de música popular brasileira. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Tom Zé, a banda Mutantes, Gal Costa e o maestro Rogério Duprat formavam a linha de frente. A cantora Nara Leão, os letristas José Carlos Capinan e Torquato Neto, o diretor José Celso Martinez e o artista plástico Hélio Oiticica completaram o grupo, que teve também o artista gráfico, compositor e poeta Rogério Duarte como um de seus mentores intelectuais.

Na agenda

O Museu das Minas e do Metal dedicou sua programação cultural do mês aos 90 anos da Semana de 1922 e aos 45 do Tropicalismo. No dia 9, Eduardo de Jesus fala sobre a herança do Modernismo. No dia 16, haverá exibição do filme Uma noite em 67, de Renato Terra e Ricardo Calil. No dia 23, é a vez da professora Alícia Duarte Penna, que trata do Modernismo em Minas. Todos os eventos são às 19h30. Informações:(31) 3516-7200 e www.mmm.org.br. O Museu fica na Praça da Liberdade, s/ nº, prédio rosa.

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Por Yuno Silva

A missão de traçar um panorama atualizado da produção poética brasileira desde o tempo da Colônia até a contemporaneidade é a espinha dorsal que sustenta a coleção “Roteiro da Poesia Brasileira” (Global Editora), que já soma 15 volumes lançados desde 2007.

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Arte: Francisco Brennand

Da noite longa e já animada desde o fim do expediente nos dias do verão levando a tarde até o limite do ar noturno: um frisson na sombra, um acender de luzes nas latadas, sob letreiros (alguns) ainda escritos à mão, longe do estardalhaço padronizado das McDonalds freqüentada pelos jovens – estranhos como marcianos, na verdade.

Pelo menos para mim, que caminhava por ruas onde havia o “Lumidis”, o café dos literatos, o “Zakaratu”, vizinho do Parlamento, o “Hellenizon” dos gerânios dos tempos de Kazantzakis, o Kolonaki das trepadeiras enrolando-se nas colunas fingindo de “cretenses” de um jeito menos desajeitado do que aquelas de Evans, no palácio de Knossos restaurado com o mal gosto “fin-de-siècle” de um diletante endinheirado.

E não, eu não ouvia a vulgaridade cinematográfica do sirtaki de Zorba como uma decalcomania grosseira colada nos meus ouvidos, mas a soprano Bidú Sayão cantando a “Melodia Sentimenal” – tão pungente – com uma tristeza lacustre de fim de tarde brasileira que casava com o meu desespero.

Compreendam: eu não estava na mata amazônica, mas na Atenas moderna, esperando pelos sinais fechados na praça Sintagma iluminada para o caminho da praça até o fervilhar de turismo nos becos de Plaka (mais do que no velho Pireu quase deixado em paz, agora, pelos idiotas “sentindo-se na Grécia” dos pratos quebrados para eles, os turistas), de maneira que aquilo – ouvir imaginariamente a longínqua Bidú, os versos sobre “a noite escura”, “a lua que fulge tão bela e branca” –, era mais do que absurdo e nada tinha a ver com…

Bem, voltemos ao quarto, quando a porta se fechou e G. foi delicada, não bateu, teve o cuidado de não ser brusca, a lingüeta se encaixando na ranhura à medida que o trinco era solto (o que evita o som martelado de uma porta “que bate”) – e eu já sabia que não iria receber carta nenhuma. Era só uma metáfora para adeus, um selo de despedida: “eu lhe escrevo de Berlim”. Ah, sim.
Não quero falar sobre isso, realmente. Quero caminhar em desacordo com o cenário em ainda maior desacordo com a canção “sentimental” que soa em minha cabeça, agônica quando quer ser feliz sob uma lua latina do tamanho da máscara de ouro “talvez” de Agamenon.

Jornalistas, escritores e artistas também freqüentavam a “Lycovrisi” – a Colombo de Atenas –, não a maior nem a melhor pastelaria da cidade de paladar tão aguçado para doces e discussões amenas, mas o lugar escolhido para argumentos elegantes, lançados como as coberturas daquelas coisas maravilhosas que se chamavam “Nikké” talvez porque lembrassem alguma alva fatia de perna de moça lavada pela luz da lua sobre os mármores soterrados aos pés de um espelho (o Egeu de certas praias onde moças antigas se banhavam como brancas aparições arcaicas).
Agora, não havia mais a lua de reflexos, nem existia mais essa Grécia dos banhos noturnos, não havia mais G., nem mais nada para mim – só a voz de Bidú cantando na minha mente tentando urgentemente se ocupar de outros assuntos…
“São de se recordar também aqueles pequenos cafés da Omonia, igualmente desaparecidos”. E os outros – meio “ouzeries”, meio cantinas – onde se podia beber tanto a bebida como café ao gosto turco, ouvindo a confusa história sobre a herança de algum comerciante que havia morrido e deixado viúva ainda jovem.

Você ouviu alguma dessas histórias? O mais curioso é que as viúvas de fato arranjavam, mais tarde, um marido ou um amante que arruinavam o seu patrimônio – como no caso, dos mais notórios, de um importador de bebidas que tinha vindo de Thera, ainda menino, sem um dracma no bolso. Era, pelo menos, o que se dizia sobre ele: que havia trabalhado, anos e anos, para um turco de Chipre, dia e noite, sem descanso, até tornar-se sócio do sujeito no negócio onde tomara para si a tarefa de vender o vinho espesso da sua ilha sempre objeto de disputas. O que o levara a conseguir exclusividade no comércio do vinho tinto um pouco áspero (embora o cipriota não apreciasse vinhos de Santorini ou de outra origem grega qualquer, porém soubesse vendê-los como ninguém).

São águas passadas. Os poetas estão mortos. Os cafés foram substituídos por drugstores, e eu não sou guia turístico de um mundo tão recentemente enterrado. Falo de um passado tão novo que…

Levantei-me para vê-la chegando à calçada – após o tempo de descer quatro lances de escada (o elevador não estava funcionando, mais uma vez).

Eu via a sua cabeça, os óculos sobre a testa, o elástico que amarrava o cabelo num rabo de cavalo juvenil, embora ela não fosse tão jovem. O penteado combinava com as sardas delicadamente pintalgadas (um pouco na face e nos ombros), sendo que sabia tornar engraçada aquela história de que estava sempre se quebrando – desde muito nova – numa perna, num braço, no pulso fino, na mão desenhada por mim (somente a mão) pousada sobre o púbis sem sombra de pêlo, conforme se revelara no hotel da Jordânia.
Jordânia? Você não estava na Grécia?

Estava. Estou. Estive, quando era Atenas, ainda, a cidade de “ar balcânico” que Sandro Kostas recordava. E que via perdida: “Atenas deu adeus à sua face levantina”. (Como discordar dele?)

A cidade de hoje tem o rosto desgastado de uma cidade qualquer do seu lado da Europa consumista, cheia de coisas novas e sem personalidade, no lugar das “velhas coisas gentis” que se acabaram. Faz diferença só a Acrópole, iluminada à noite, empoeirada como uma gaiola de colunas que cedem um tantinho mais, a cada ano. O monumento toma injeções de concreto nas veias de pedra, todos os dias, como um doente terminal da arquitetura. Um dia, talvez vá desaparecer como os modos de alguns garçons dos cafés perdidos que Kostas ainda gosta de rememorar (alguns sumiam da vista dos clientes pobres, para evitar intimidá-los com as toalhas usadas para limpar o nada daquelas mesas que ainda não houvessem feito nenhuma despesa).

Alguns letreiros e marquises impediam que eu visse a evolução completa do seu caminhar (que eu quase perdera, e no momento gracioso de por os óculos escuros) sob o sol tão minucioso, sendo que o passo do seu tênis não era rápido nem preguiçoso, na claridade que retalhava as silhuetas nas pedras, no asfalto quase branco – que agora lembrava o maiô de cal sobre a carne pálida. Ela havia explicado: “estou gorda demais para o biquini na bolsa” (o que não era verdade). Lembrei disso, e não me lembrei de ter dito que não era verdade, não é engraçado?

E então a desejei com um desespero tão fundo que doeu no corpo debruçado sobre uma janela aberta de Atenas, “o melhor lugar para despedidas” (não é mais!) dizia a canção não traduzida para os turistas (os gregos os desprezam e os bajulam, em igual medida)…

Em sua tristeza, para Sandro é importante que quem o escute possa entender isso: um dia, houve uma Atenas realmente branca, de casario baixo “a um passo do mar aonde todos iam se banhar”…

Levantava-se a vista, e as altas colinas ecoavam os nomes longínquos, decorados para as provas dos liceus romanos (Sandro é da Emília dos castelli de além Appia), com os bustos de atenienses antigos, os olhos vazados nos corredores que as férias lustravam de quietude.

“I resti dell’antica Grecia avrebbero avuto quello stupendo risalto se tutt’attorno ci fosse stata una citta con le massicce, pretenziose architetture europee dell’Ottocento e primo Novecento?”

E o Partenon – prodígio que sucumbe – invadia o quarto dos hotéis mais altos, pela janela aberta para a noite pressagiada pelo cinza do crepúsculo espetacular entre as colunas, onde ainda podia acontecer de se estar sozinho, na parte mais vazia do templo, antes do turismo de massa. Quem sabe, um milagre talvez pudesse se dar (como só se dão os milagres com os quais já não se conta), nos jardins de acesso ao velho emblema corrompido da cidade, onde fizesse se ouvir algum pássaro mitológico entre as flores extenuadas?

“Desde a colina ao pé do templo até o jarro de alabastro que jaz agora neste quarto, testemunha dos verões gregos e das perólas na fronte pura, porejada de nervosismo, da ninfa no seu encontro primeiro”…

Ninfa? Há aqui algum engano – ou qualquer tom elegíaco que soa desmesurado para o vulgar amor num quarto de hotel barato, a moto que alugamos lá embaixo, estacionada, e a “ninfa” se examinando ao espelho colocado como penteador acima da mesa com o vaso de alabastro da cor do corpo desnudo, depilado e mal protegido pela gaze da cortina leve de luzes da rua apagada da memória.

Que nome tinha o hotel onde a irmã de Byron, diziam, havia se hospedado nos “seus dias de glória”? (Aquele nosso hotel nunca os tivera, certamente.)

“Ela via o Partenon…” – canta Elytis, num poema inédito, e que deslizou para debaixo da cama da literatura (G. sabia dessas coisas da maneira mais misteriosa, não perguntem como nem porquê; o importante é que fixem a janela que dá para a Acrópole, o monumento como sempre suspenso, “maciço e etéreo”, por sobre a ruína da realidade.)

Na falta de outro assunto, o poema trata do casal mais tarde separado, ela diante da mesma visão – “o grande templo quase ao nível dos olhos” –, em face daquelas janelas que dão para a “eternidade do peristilo” (todos os guias de turismo são enfáticos, em Atenas como em Botucatu).
O sol o queimou o dia inteiro, tornando clara a ligeira inclinação progressiva cujo cálculo é a suprema sutileza do monumento levantado quando, já no século V, se retardava o declínio da “sagrada colina à beira do abismo”:
“La grazia di Atene…

Quando a vi partir (e ela verdade que ela estava indo embora), compreendi que estava sozinho de um modo novo – diante da onipresença, quase, de uma ruína que já havia desaparecido de si mesma. Isso parece idiota, mas é como G. havia anotado no meu caderno cheio de desenhos amadorísticos, alguns jeitosos (o da mão), outros simplesmente canhestros (o das falsas fachadas): “a Acrópole é uma miragem que não merecemos e que deixamos de compreender”.

Depois, eu iria encontrar a frase, sublinhada, no livro do professor grego, que ela não “tivera tempo de devolver” – e eu, por meu lado, não quisera remeter para o seu endereço de Berlim, pelo correio, assim me separando daquela letra gordinha que assinalara partes do texto bilíngüe e desenhara até mesmo um engraçado chinês zarolho na última página de guarda.

Por que estou condenado a seguir lembrando essas coisas, com uma atenção tão concentrada? Há uma doença qualquer nisso, um dente cariado que se acarinha com a língua voluptuosa, um modo de misturar, perversamente, a realidade presente e a realidade lembrada: duas cargas diferentes, dois pesos demasiados. E Bidú Sayão soprando na minha mente os versos de Dora Vasconcelos que – ninguém se lembra – escreveu o libreto para Villa-Lobos: “Acorda, vem ver a lua/ que dorme na noite escura,/ que fulge tão bela e branca/ derramando doçura./Clara chama silente/ ardendo o meu sonhar./As asas da noite que surgem/ e correm no espaço profundo./ Ó doce amada, desperta!/ Vem dar teu calor ao luar”…

G. foi embora. Está um vazio na Atenas inteira, na Patagônia e na minha mão: lembro dos seus dedos entrelaçados nos meus, por estas mesmas ruas. Lembro dos seus lenços, dos seus tênis debaixo da cama, virados. “Dá azar” (qualquer sapato virado), e eu desvirava – resignado com a superstição que lhe arrancava apenas um sorriso.

Recordo outros detalhes: um pijama que ela usou, infantil como as roupas compradas na Disney, e que poderia me irritar se não lhe houvesse dado o ar folgazão de uma adolescente que fazia a sua primeira viagem ao exterior, na companhia de colegas rindo no quarto de hotéis suspeitos onde há sempre vagas, mesmo no pico da temporada. O modo como as adolescentes riem (e nunca mais rirão). Seus pés rosados, que o mar lavou (o mar piedosamente interessado?)…

E por que dói a recordação? Todas as pequenas recordações sem lugar na futura conversação (sendo, então, obrigatório silenciar sobre esses nadas, essas sobras boiando sobre a água do banho que foi para alguma dobra úmida da minúscula eternidade de luz esgazeada – porque você olha bem de frente para o sol entre as colunas).

Atenas, a graça de Atenas, não estava li, mas no conserto da sua sandália – se é que me entendem. Uma pessoa pode enlouquecer porque os outros não compreendem o quanto ela concentra, numa miniatura lateral, o todo da graça imortal de um monumento arruinado. A moça se debruça sobre uma torneira do antigo hipódromo (onde agora Santa Sophia se ergue, entre jardins mal cuidados), e isto é Istambul num frasco de água-mineral de novo cheio, até a borda, de água das fontes de ablução ou das cisternas afundadas, de maneira que a mão, a sua branca mão – branca como a lua – colhe a água potável enquanto eu também fazia o mesmo, pela primeira vez, e pensava nas mulheres bizantinas que haviam morrido, “aquelas damas romanas com seus espelhos de cobre e ungüentos de beleza, à luz vacilante da barbárie” – literatura! –, quando tudo que havia realmente para ver era a revoada dos pombos, no ar resfriado pelo Bósforo descoberto de nuvens, tudo cortado à faca, e mais: facilitando o recorte dos palácios gradeados do cais de gaivotas suspensas enquanto os bares se acendiam como pirilampos, na margem asiática, e havia ainda a promessa de quietude final no apartamento do hotel da ruazinha de jasmins agora dolorosos, perto da velha Gálata…

Gálata? Meu deus, a Turquia no lugar da Grécia, depois das primeiras brigas por qualquer coisa. As imagens, por um momento, se trocando como quando alguém chega e se deita, exausto, na cama arrumada pela camareira que nunca é vista. Ficamos na cidade poucos dias – mas agora eu parto no encalço delas, como quem refaz um retrato embaciado pela fuligem da memória. As recordações são confusas.

(CONCLUI NA PRÓXIMA EDIÇÃO DO “RASCUNHO”)

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Van der Graaf Generator na testa

Por Arthur Dapieve
O GLOBO

Na alvorada da minha roqueiridade, em meados dos anos 1970, não havia a profusão de informações de hoje. Era difícil o acesso à música, na forma de LPs e compactos, eram escassas as fontes de notícias, como jornais e revistas. Juntando uma coisa à outra, havia a Eldorado FM, a saudosa Eldo Pop, e olhe, quer dizer, escute lá.

Cada um dos caras da minha turma comprava os novos LPs de uma determinada banda e convidava os outros para uma audição comunitária. Era tipo um “guardião” daqueles artistas, o que mais entendia deles. Um dos meus amigos era especialista em The Who, outro em Stones, um terceiro em Bowie, um quarto em Supertramp etc.

Eu era o “guardião” do Pink Floyd desde que ouvira, com atraso de alguns anos, o LP “Atom heart mother” (1970), o da vaca na capa, com o irmão mais velho de um amigo menos ligado em música. Eu chapara na hora. Aquilo dera um sentido à minha vida. Logo, acompanhava o que podia do Floyd, expoente do dito rock progressivo.

Talvez por isso, e por me interessar pelas outras bandas inspiradas pela música clássica e pelo jazz, eu fui o cara da nossa turma mais afetado pela revolução punk de 1976, que só veio a bater em Copacabana dois ou três anos depois. Ela renegava aquilo no qual eu mais acreditava, alta proficiência técnica, estabelecia um novo paradigma de fazer e escutar música, abria um profundo corte epistemológico na minha testa.

Johnny Rotten, dos Sex Pistols, era famoso por usar uma camiseta do Pink Floyd com a frase “I hate” rabiscada por cima. Eu amava o Pink Floyd, mas o modo como Pistols, Ramones, Buzzcocks, Cockney Rejects e, sobretudo, The Clash cuspiam revolta me pegou, ai, se me pegou. Se não cheguei a virar a casaca, passei a ser o “guardião” do Floyd e do Clash. O primeiro sintoma do meu “gosto confuso”, pantagruélico.

Os punks rejeitavam os progressivos, considerados riquinhos cerebrais, e queriam se reaproximar das raízes do rock, ou seja, a simplicidade expressiva e a fúria adolescente. Contudo, havia uma exceção no seu ódio às bandas que gostavam tanto de teclados — historicamente, instrumentos da burguesia — quanto de guitarras: o Van Der Graaf Generator, formado na Universidade de Manchester em 1967 e cujo nome remetia ao gerador eletrostátic inventado em 1929 pelo americano Robert J. Van de Graaff.

Não que o Van Der Graaf Generator fosse essencialmente distinto dos seus pares progressivos, a não ser por ter capas de disco muito feias. Seu som continha toques de música barroca (o Hammond tocado por Hugh Banton me faria pensar em Buxtehude e em Bach) e de jazz (a cargo do saxofonista e flautista David Jackson, capaz de tocar dois saxes ao mesmo tempo). O destaque dado ao órgão e aos sopros indicava também o antigo gosto do grupo pelo rhythm’n’blues, mas os punks respeitavam era a catarse na interação dos dois com o baterista Guy Evans e, em especial, com o extraordinário vocalista Peter Hammill, de apreço por interpretações teatrais e letras sombrias, góticas. David Bowie, Johnny Rotten e Morrissey foram influenciados de alguma forma por ele.

O VDGG parece estar sempre a um passo da catástrofe, artística e existencial. Sua música transmite uma tensão quase insuportável, sua carreira alterna separações e reuniões sempre em torno do carismático Hammill. Hoje, ele é um senhor de 63 anos, com um infarto no prontuário médico, mas está longe de ser pacato. Sem Jackson, o grupo segue na ativa, tendo lançado um bom CD em 2011, “A grounding in numbers”.

Talvez por causa da minha meio-conversão ao punk, guardei do VDGG as peças mais pesadas, em vários sentidos. Do seu segundo e melhor LP, “The least we can do is wave to each other” (1970), por exemplo, as músicas que falavam da Inquisição (“White hammer”) e de um dilúvio apocalíptico (“After the flood”), além da faixa de abertura, de título evocativo, “Darkness (11/11)”. Ouvindo-o outro dia, porém, uma faixa mais leve caiu na minha cabeça como uma bigorna. A balada “Refugees”.

Nela, Hammill lamentava a distância que ia se abrindo entre ele e dois ex-colegas de apartamento, o maestro e compositor Michael Brand e a atriz Susan Penhaligon. O cantor do VDGG comparava o trio a refugiados, “se afastando da vida que conheceram e amaram”, em direção ao Oeste, “onde todos os dias devem um dia terminar”. Cazzo. O fato de “Mike e Susie” ainda hoje estarem vivos não me tira da cabeça de que Hammill já estava, no fundo, a falar da maior das distâncias, a da morte.

No órgão de Banton e no piano do próprio Hammill (há no YouTube uma bela versão dele sozinho, em http://migre.me/7IHQ9), a música soa quase como um hino de igreja, ou um réquiem, aumentando o sentiment crepuscular. Nas épocas em que ouvi “Refugees” anteriormente, acho que eu não tinha maturidade — porque ainda não tinha perdido tantos amigos e conhecidos — para captar a mensagem inteira. De alguma forma, a ideia de que eles foram se refugiar no Oeste, onde todos os dias devem um dia terminar, se não chega a consolar, ao menos dá mais uma metáfora bonita a algo que afinal é horrendo, o longo adeus, o grande nada, o sono eterno, o resto é silêncio.

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Quando desço a esse estado de espírito, e ainda com citação a Michel Teló, é hora de sair de férias. Nosso reencontro fica marcado para 9 de março. Até.

Só há criatividade a partir do domínio público, da livre circulação das ideias

Direito autoral: tento não escrever essas duas palavras por aqui, para não ser acusado de colunista de um assunto só. Pouco adianta: a realidade vive me provocando com SOPAs, ACTAs e outras imbecilidades. Esses projetos de lei partem do seguinte pressuposto: a indústria da pirataria está a ponto de dominar o mundo; para combater essa ameaça, precisamos de urgentes medidas de exceção, de guerra (por isso sua propaganda tenta nos fazer acreditar que “a pirataria financia o terrorismo”). Então, por “questões de segurança nacional” ou “para salvar empregos”, governos — de forma pouco transparente — querem aprovar artifícios policialescos que podem determinar subitamente o fechamento de serviços da internet ou a prisão de pessoas, antes que tenham a possibilidade de defesa (o SOPA, por exemplo, obrigaria os acusados a recorrer em tribunais americanos, pagando os custos de advogados americanos).

Não estou aqui para defender os piratas. Sei que a pirataria, quando é pirataria mesmo, precisa ser combatida. Porém, não vejo razão para a criação dessas leis especiais para o combate, sobretudo se colocam liberdades básicas da democracia em risco.

Ninguém conhece ao certo o tamanho e o poder da pirataria. Os números que jornais favoráveis ao endurecimento das leis teimam em repetir (250 bilhões de dólares anuais! Menos 750 mil empregos!) são muito suspeitos: não se sabe de onde surgiram, em que estudos estão baseados ou qual a metodologia usada nesses estudos (geralmente financiados por órgãos da indústria que se diz vítima da pirataria). Além de declarações questionadoras como a de Neil Young (que disse esta semana que “a pirataria é onovo rádio”), tenho lido vários artigos que revelam outra situação, onde o impacto da pirataria não seria tão grande quanto afirmam os autores das novas leis ( muitas vezes atendendo apelos de quem deu dinheiro para suas eleições).

Julian Sanchez, pesquisador do Cato Institute (think tank “dedicado aos princípios de liberdade individual, governos limitados, mercados livres e paz” — portanto, nada comunista), publicou recentemente texto (http://bit.ly/yCqu7d) mostrando que, no meio da recessão atual, na verdade as indústrias de conteúdo estão bem, gerando empregos e produtos, se comparadas com outros setores econômicos. Números contra números, com várias interpretações — o que prova que nada é tão evidente assim, e não a ponto de necessitarmos de legislações draconianas para nos salvar (nós, defensores do estado de direito) de uma suposta barbárie iminente.

No lugar de gastar dinheiro (muitas vezes público) e perder sua credibilidade lutando contra o bode expiatório da pirataria (todos no fundo sabem: medidas como o SOPA não vão conseguir eliminá-lo), a indústria de conteúdo poderia trabalhar para aproveitar as enormes oportunidades que a cultura digital criou para a produção cultural planetária. A Casa Branca, quando fez manobra para se afastar do SOPA publicamente (pensando na reeleição de Obama), tentou empurrar o problema adiante, convocando o povo da internet a apresentar soluções. Nat Torkington, pioneiro da web na Nova Zelândia, respondeu, no “O’Reilly Radar”: “Inventamos a internet, a web, o MP3, o MP4, o wi-fi, o comércio eletrônico, o PayPal etc. O que mais você quer de nós? Agora é a vez de as indústrias de conteúdo gastarem alguns neurônios para continuarem relevantes no admirável mundo novo. Vão se catar!”

Mas o que as tais indústrias fazem além de nos ameaçar com prisão se continuarmos até a colocar links em nossos blogs para sites onde pode haver pirataria? Mike Loukides, também no “O’Reilly Radar”, retrucou “Piratas são vocês, que fazem lobby fraudulento para aprovar no Congresso legislações que privatizam o domínio público, roubando benefícios que poderiam ser de todos. Muitas empresas de conteúdo degradam o domínio público, assim como siderúrgicas poluem o ar e a água, também bens comuns.” Devem ser punidas e não apoiadas com novas leis.

Em coluna sobre o sucesso de Michel Teló, escrevi que o domínio público é destino inescapável para a totalidade da criatividade humana. Isso não é novidade da cultura digital. Sempre foi assim. Só há criatividade a partir do domínio público, da livre circulação das ideias. Estou aqui inteiramente de acordo com os pensadores que criaram as primeiras legislações do direito autoral, como Thomas Jefferson, um dos pais da democracia americana. Nenhum deles equiparava bem material e bem imaterial ou achava que autores são proprietários eternos de suas criações artísticas. As criações artísticas são propriedade da Humanidade. Isso é ponto pacífico, consenso. Quando surgiu a ideia de direito autoral, a sociedade apenas concedeu, para os autores, o monopólio temporário de utilização comercial das obras de sua autoria, tendo em vista poderem ter algum conforto material para possibilitar a criação de outras obras, que no futuro vão enriquecer o patrimônio comum.

Sempre foi assim: o monopólio de comercialização é temporário. Pois ideia é sempre criada a partir de ideias dos outros. E ideia é diferente de objeto material. Você não pode ter meu carro. Mas você pode cantar a mesma música que estou cantando, no momento em que canto essa música. Você pode me proibir de cantá-la, mas não pode apagá-la de minha memória, ou da memória coletiva. Lembre-se disso. Vou começar a próxima coluna a partir desse lugar comum.

En ti estás todo, mar, y sin embargo,
¡qué sin ti estás, qué solo,
qué lejos, siempre, de ti mismo!

Abierto en mil heridas, cada instante,
cual mi frente,
tus olas van, como mis pensamientos,
y vienen, van y vienen,
besándose, apartándose,
con un eterno conocerse,
mar, y desconocerse.

Eres tú, y no lo sabes,
tu corazón te late y no lo siente…
¡Qué plenitud de soledad, mar solo!

*********

Em ti estás todo, mar, e contudo
como estás sem ti, e só,
e longe, sempre, de ti mesmo!

Aberto em mil feridas, cada instante,
qual minha fronte,
tuas ondas vão, como meus pensamentos,
e vêm, vão e vêm,
beijando-se, separando-se,
num eterno conhecer-se,
mar, e desconhecer-se,

És tu e não o sabes,
teu coração te late e não o sente…
Que plenitude de solidão, mar só!

JIMÉNEZ, Juan Ramón. “Soledad”. In: RICO, Francisco (org.). Mil años de poesía española. Antologia comentada. Barcelona: Planeta, 1996.

Por Pedro Alexandre Sanches
ESPECIAL PARA O ESTADO

Musical de 1968 é um dos acontecimentos mais importantes da cultura brasileira

Escrito pelo compositor Chico Buarque e levado aos palcos em janeiro de 1968 pelo encenador José Celso Martinez Corrêa, o musical Roda Viva é visto como um dos mitos fundadores da cultura brasileira contemporânea. Ainda assim, pouquíssimos brasileiros tiveram a oportunidade de conhecer o texto da peça e presenciar uma montagem sua. Chico tem vetado qualquer reencarnação de Roda Viva. Lançado em 1968 pela (extinta) Editora Sabiá, dos escritores Fernando Sabino e Rubem Braga, o texto também está fora de catálogo há décadas.

“Há um tabu social por trás disso, uma coisa que precisa ser mexida”, provoca Zé Celso. “É um resquício da ditadura, uma sequela, uma doença. O fato de Chico não publicar e não deixar montarr é muito estranho.”

O que parece ser uma autocensura de Chico com relação a Roda Viva soa desconcertante porque se trata de um herói pop da resistência à ditadura militar, ele próprio censurado repetidas vezes pelo regime. O autor de Sabiá (1968), Apesar de Você (1970) e Cálice (1973) não dá detalhes sobre o que motiva a interdição, mas reconhece o veto falando por intermédio de seu assessor de imprensa, Mario Canivello. “A justificativa do Chico é simples: ele considera que as deficiências do texto ficam ainda mais evidentes à medida que o tempo passa. Houve um caso em que, se a memória não me trai, alunos da universidade UniRio tentaram colocar em cartaz uma montagem acadêmica da peça. Só esqueceram o pequeno detalhe de que precisavam antes do consentimento do autor”, afirma Canivello.

“Falei com Marieta Severo, ela diz que Chico acha a peça horrível, fraca”, conta Zé Celso, referindo-se à ex-mulher do artista, que interpretou a protagonista feminina de Roda Viva no Teatro Princesa Isabel, no Rio. “Não é suficiente, não se proíbe uma peça porque ela é fraca ou horrível. O artista não pode proibir a própria obra. Quer dizer, pode, se quiser, mas Chico, um sujeito ligado ao lado libertário, não pode.”

Dirigida por Patrícia Zambiroli, a peça da UniRio a que Canivello se refere estrearia no Teatro Glória, em 2005, mas o autor não liberou. Outro que emperrou em Roda Viva foi Heron Coelho, que já havia reencenado os musicais buarquianos Gota d’Água (1975), em 2006, e Calabar – O Elogio da Traição (1973), em 2008. “Por critérios particulares do querido Chico, atendi ao pedido de não levar adiante o projeto, que estava avançado”, admite Heron, cuidadoso. “Cancelei a montagem e passei adiante o patrocínio que tinha.”

Roda Viva ficou eternizada como uma montagem de alto teor político, principalmente por causa dos episódios que marcaram duas encenações em 1968. Em 17 de julho, numa ação batizada “Quadrado Morto”, o Comando de Caça aos Comunistas (CCC) invadiu o Teatro Galpão, de Ruth Escobar, onde ocorria a montagem paulistana da peça. Depredaram o espaço, despiram e espancaram o elenco, que incluía Rodrigo Santiago, Marília Pêra (no papel que fora de Marieta), Antônio Pedro e Paulo César Pereio. A agressão se repetiu em 3 de outubro, em Porto Alegre, dessa vez por ação direta do Exército brasileiro, segundo Zé Celso. Roda Viva morreu ali, dois meses antes do AI-5

“Hoje, eu voltaria a fazer Roda Viva, de birra. Deveria ser remontada, porque fez uma revolução no teatro brasileiro”, diz Zé Celso. “Chico vinha de uma formação muito tradicionalista, os Buarque de Holanda eram muito religiosos. A peça não tinha nu, mas ainda assim ele pediu: ‘Olha, Marieta não pode ficar nua’. Voltar a Roda Viva talvez fosse libertador, porque deve ter um trauma. Diziam na época que a peça era minha, que era alienada. Ele acreditou nisso”, afirma. Zé Celso também questiona a suposição de que a indisposição atual do autor com a face “política” de sua obra explica sua guerra pessoal contra a peça, estreada quando ele tinha 23 anos.

“Roda Viva é constantemente supervalorizada na obra do Chico”, opina o historiador Gustavo Alonso, autor do livro ensaístico Simonal – Quem Não Tem Swing Morre com a Boca Cheia de Formiga” (Record, 2011), em que tece considerações sobre a construção da imagem pública de Chico como herói da resistência esquerdista. “Não é um texto político, é uma crítica à jovem guarda”, Alonso afirma.

A preocupação central de Chico à época era criticar as engrenagens da produção de ídolos pop – podia estar se referindo a Roberto Carlos ou mesmo a si próprio. “Ele trata das metamorfoses a que a máquina de marketing obriga Benedito da Silva, que se transforma em Ben Silver, um ídolo de iê-iê-iê”, evoca Zé Celso. “Mas o personagem fica ultrapassado porque vem a linha da música brasileira, é quando canta Roda Viva. Em seguida, surge a turma de Geraldo Vandré, da militância, da música ideológica. E depois é comido pela máquina. É obrigado a se suicidar, e a mulher dele, Marieta, toma seu lugar, vira uma coisa parecida com Caetano Veloso, mas mais pro hippie.”

Zé Celso credita ao coro de Roda Viva grande parte do sucesso da peça em 1968. “Era toda uma fauna inédita, tinha negro, gay, mulher, gente feia, gente bonita, cientista, ambientalista. De repente, caíam em cima daquele público supercareta do início de 1968. Era um estupro, um estupro com exaltação.” Entre os atores do coro, estavam Pedro Paulo Rangel, Zezé Motta e André Valli. “Nós começamos isso no Brasil. Foi um ano antes de Hair, que não é nada diante de Roda Viva. O Brasil nesse sentido foi vanguarda, porque tudo começou a explodir aqui em 1967. No resto do mundo explodiu em 1968.”

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Por José Geraldo Couto

“Toda história é história contemporânea”, escreveu o pensador italiano Benedetto Croce, querendo dizer que sempre enxergamos o passado com os olhos do presente.

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Convidamos o designer gráfico, professor universitário e escritor Octavio Aragão para fazer uma seleção de livros que representem o que existe de mais importante no Steampunk, um subgênero da ficção científica.

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Bem-aventurados os apaixonados, que se esquecem por algum tempo das mazelas do mundo. Deitam-se numa rede de fios bem trançados, numa cama estreita, num tapete persa ou numa esteira de palha e se entregam às malícias do amor. Ou deitam-se no piso de tábuas de uma casa modesta e se esquecem dos magistrados, dos burocratas, das chuvas destruidoras, dos políticos inativos, dos impostores e dos pássaros agourentos. Já não se lembram da segunda-feira árdua e rotineira, do chefe ranzinza ou do subalterno distraído, do trânsito e seus motoristas alucinados, nem daquele casamento que se reduziu a bocas engessadas e momentos de silêncio que insinuam sentenças hostis.

Apaixonados: seres sonhadores antes do primeiro duelo, que só às vezes rima com inverno. Ali, sentado na praça, vi um velho conhecido que perdeu sua amada há seis anos. Ele dorme em calçadas e praças do meu bairro, nas vésperas do Natal eu o encontrava triste e lacônico: artesão pobre e solitário que vende violas sem cordas, construídas com dejetos fisgados nas ruas da metrópole, esse vasto museu contemporâneo do consumo. Mas agora esse artesão encontrou uma amada:

‘Minha outra música’, ele disse.

Eu, distraído ou perdido em algum devaneio, ouvi ‘musa’ em vez de ‘música’, e logo comprei uma viola desse artista errante que lembra certos viajantes, esses outros bem-aventurados.

Muitos partem sem bússola e se lançam a uma aventura. Ou partem em busca de uma paisagem insólita, de um sabor estranho, de rostos mais ainda estranhos, de lugares sonhados desde sempre, de noites que se emendam ao dia e novamente à noite, como se houvesse só espaço nesse mundo regido pelo tempo. Viajantes com pouca bagagem, movidos pelo desejo de conhecer o que amanhã será esquecido, ou de esquecer o que irremediavelmente será lembrado além da nossa fronteira. Alguém te envia uma mensagem do deserto de Atacama, de uma mesquita de Istambul, de um pueblo de Missiones, de uma praça de Teresina, Belém ou Sabará, do pátio de um convento de Olinda; alguém escreve à mão no verso de um postal palavras sobre o assombro e a beleza da ilha de Creta, onde um mito antigo resiste aos descalabros do nosso tempo.

Quantas mensagens via satélite… E só uns poucos postais com a fotografia de um lugar visitado e cinco frases escritas por calígrafos anacrônicos.

Invejo a energia quase cósmica desses viajantes e apaixonados, que celebram suas façanhas com uma comoção incomum. Posso imaginá-los em transe, e de algum modo eles me inspiram para escrever estas linhas num quarto úmido, depois da tempestade. Admiro a beleza das romãs rosadas no pequeno jardim, sinto o cheiro dessas frutas desventradas por pássaros famintos, e logo me vem à mente os versos do poeta que escreveu A Falta Que Ama:

‘Uma viagem é imóvel, sem rigidez./ Invisível, preside/ ao primeiro encontro. Todo encontro,/ escala que se ignora’.

Por Eduardo Guimarães
No Blog da Cidadania – VIA VI O MUNDO

Para quem se envolveu emocionalmente com o martírio de milhares de famílias atacadas violentamente pelo Estado brasileiro foi duro ser esbofeteado daquele jeito pela Globo e por seu despachante Geraldo Alckmin ontem (1º de fevereiro) à noite.

Dá para imaginar como aquelas famílias massacradas pelo carrasco que dirige São Paulo a serviço de alguns poucos bilionários se sentiram ao vê-lo expor novamente seu conceito de democracia.

Torna-se imperativa, assim, a reflexão de que se há uma coisa que não existe no Brasil é democracia. Como pode ser democrático que milhares de homens, mulheres, crianças e idosos sejam expulsos de suas casas a toque de bombas em benefício exclusivo de uma empresa privada?

O governador de São Paulo poderia ter tido a decência de dizer que o capitalismo é assim mesmo, um sistema econômico em que, como diz o nome, prevalece o capital em detrimento do homem, e que não tem culpa por o Brasil ter escolhido viver sob tal sistema.

Alckmin confunde regime político com sistema econômico. Na democracia, prevalece a vontade da maioria e no capitalismo, da minoria. Na democracia, quem decide é muita gente e no capitalismo são poucos os que tomam decisões que todos têm que acatar.

O Estado usar tropas para tirar milhares de pessoas de suas casas usando violência e depois jogá-las na rua ou em abrigos imundos a fim de beneficiar um grupo de ricaços que não lota um elevador é mero resultado do capitalismo, não da democracia.

Ah, mas foi apenas cumprimento da lei. Nem isso é verdade: havia conflito entre instâncias do Judiciário (estadual e federal). E se esse Judiciário não é capaz de observar que na democracia não pode atender ao interesse de poucos massacrando a muitos, tampouco é democrático.

É a segunda vez, em curto período, que Alckmin associa democracia a ações violentas da Polícia Militar, mesmo que o principal paradigma do regime democrático seja o de substituir a violência pelo diálogo.

Foi uma bofetada na democracia o Jornal Nacional levar ao ar a invenção absurda de que os moradores do Pinheirinho teriam sido obrigados por lideranças a ficarem ali no dia do despejo. Centenas de flagelados depuseram por escrito, assinaram o depoimento e nenhum relatou semelhante coisa.

De um lado, então, há milhares de pessoas com nome, sobrenome e imagem dizendo que não tentaram resistir por força de liderança alguma, mas porque simplesmente não tinham para onde ir; de outro, há uma gravação de alguém sem nome, sem rosto e que pode até ser falsa.

Há, ainda, um homem sem caráter que diz que antes os flagelados viviam em moradias precárias e que agora vivem em moradias dignas e uma emissora que divulga isso sem reparo algum, sem mostrar que agora é que estão vivendo em moradias precárias, para dizer o mínimo.

Quem defenderá este povo? A mídia inventa, mente, distorce, omite e não há um só político de peso (ao qual não se possa negar espaço) para desmascarar uma farsa que não resiste a trinta segundos de contraditório.

O povo brasileiro, que em grande parte vive em condições pouco melhores do que aquela em que viviam os flagelados do Pinheirinho antes de virarem moradores de rua, está indefeso diante da sanha do capitalismo selvagem.

Este país precisa de um líder feito de carne, osso e sangue nas veias e que seja capaz de se indignar ante aquela vergonha, ante aquele crime de lesa-humanidade que foi a nova aula de “democracia” de Geraldo Alckmin. O Brasil precisa mesmo é de um Hugo Chávez.

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Este ano é de eleições municipais. Elas costumam ser mais empolgantes do que algumas presidenciais. Estimuladas pela proximidade dos problemas, as pessoas acompanham mais, opinam mais e pedem mais mudanças. Não dá para prever uma eleição com base na anterior, pois, assim como as batalhas militares, eleições não se repetem. O momento é de satisfação econômica e desânimo com a política. Mas a crise das metrópoles assusta, como se viu na cracolândia, em São Paulo, ou na queda de três prédios no centro do Rio.

O desenvolvimento econômico resolve muitos problemas, mas agrava alguns e cria outros. Por mais que a imagem dos políticos tenha decaído, é temerário fechar os olhos para as eleições municipais.

Existe algo a favor: nunca os meios tecnológicos para uma gestão inteligente foram tão desenvolvidos como agora. E uma das primeiras grandes contradições está precisamente entre o avanço desses meios e a cabeça de grande parte dos políticos.

Vi de perto duas experiências que merecem ser avaliadas: nas cidades de Curitiba e do Rio de Janeiro foram montados centros de controle e tomada de decisão capazes de recolher grande número de dados, monitorar câmeras, expor mapas – enfim, um aparato capaz de reunir o maior número de informações para uma tomada de decisão. O centro no Rio foi montado com a ajuda da IBM, no seu programa global de cidades inteligentes. O de Curitiba é mais antigo, mas desenvolveu mais a interação com os moradores.

O sistema paranaense dispôs-se a responder a qualquer reclamação em 48 horas. Os moradores são atendidos e convidados a se inscrever como colaboradores. Quando há uma intervenção urbana com repercussão na vida da comunidade, o governo já tem geoprocessados os colaboradores da área, que são consultados sobre o projeto.

No caso do Rio, a energia maior está concentrada na gestão de desastres naturais e na intervenção num trânsito cada vez mais lento por causa das grandes obras. A recente queda dos três prédios levantou o problema da fragilidade da fiscalização, que só pode ser superada com o esforço coletivo.

Buenos Aires viveu um desastre semelhante e encontrou uma solução inteligente: pôr à disposição, na internet, todas as licenças de obras na cidade. Isso abre a possibilidade de cada indivíduo se informar a respeito de alguma obra que tenha repercussão na sua vida e na de sua família. Se não houver licença, ele pode notificar as autoridades.

No caso de prédios caídos, o sistema ajuda também a definir responsabilidades. A notificação de uma obra sem licença, em caso de desastre, é uma prova contra o governo. Em zonas urbanas degradadas, como a cracolândia, a interação com moradores é igualmente vital para avaliar a teoria da janela quebrada: segundo ela, se não a consertamos, a tendência é que as outras janelas sejam quebradas também.

Um dos problemas que os novos prefeitos encontrarão é exatamente dar resposta rápida ao surgimento dessas áreas degradadas. As eleições terão de abordar outros temas além dos que se destacaram neste início de ano. Em todos eles, principalmente no da sustentabilidade, a escolha estratégica por uma cidade inteligente deveria ser levada em conta.

Os governos encontram em 2012 uma nova realidade social. Milhões de moradores das metrópoles têm acesso à internet e se integram em redes sociais. Não se deve temê-los por desejarem ter acesso aos dados do governo, mesmo porque os que querem transparência já venceram no plano legal, somente esperam que o governo se organize para cumprir a lei. Deve-se é respeitá-los, pelo potencial de contribuição, sobretudo nos momentos caóticos, em que as metrópoles se tornam grandes e complexas demais para os recursos mentais do governo.

Faz alguns anos que se repete a tese de que, numa região metropolitana, uma cidade, sozinha, não resolve os seus problemas. Mas não se avança na construção de uma governabilidade mais ampla. Os novos instrumentos podem contribuir para o primeiro passo: a troca de dados. Que pode evoluir para operações mais complexas, como, por exemplo, a compra conjunta de remédios, com potencial de reduzir o seu custo em 20%.

Claro que a corrupção sempre ronda projetos desse gênero. Mas, embora não seja uma panaceia, o novo instrumento é o mais indicado para se obter a transparência. Essa necessidade de transparência poderá ser um tema importante em cidades como Campinas, Teresópolis e Friburgo, onde prefeitos foram afastados, acusados de corrupção.

Traumas urbanos, traumas éticos. Certamente as cidades que comparecem às urnas estão mais amadurecidas para participar de um tipo mais inteligente de governo. Inteligente não apenas porque utiliza instrumentos tecnológicos, mas porque se enriquece com a inteligência social.

Isso pode parecer ingenuamente otimista. Diante desse argumento, só posso responder com as condições combinadas: problemas urbanos cada vez mais complexos, novos e poderosos instrumentos tecnológicos de gestão e uma sociedade mais ligada. Ignorar essa conjunção, representa quase o mesmo que ignorar nos programas para as cidades litorâneas a tendência à elevação do nível do mar. Aliás, nas cidades pernambucanas de Paulista, Jaboatão e Recife, de certa forma, o futuro já chegou: o avanço do mar é visível há alguns anos.

Que vengan los toros. Mas depois do carnaval. É quando se começa a notar a presença dos candidatos. E avaliar como se comportam diante de novas realidade, como os desastres climáticos, por exemplo. Palco de um debate indispensável sobre o destino de suas cidades, o Brasil abriga ainda em 2012 a Rio+20. Sua agenda – combate à miséria, economia verde, sustentabilidade, proteção dos mares – pode entrelaçar-se com o debate metropolitano.

Há muito que esperar do processo eleitoral de 2012, embora um morador do Rio tenha ainda de se guardar para as visitas do Sobrenatural de Almeida, o personagem de Nelson Rodrigues. E ele não respeita fronteiras.