Philippe Cassard

Quando duas importantes e sérias instituições educativas e culturais, como são a UFRN e a Aliança Francesa de Natal, unem-se em torno de uma meta comum, há sempre a tendência de dar certo.

No caso da apresentação do pianista francês Philippe Cassard, ontem, no auditório principal da Escola de Música da UFRN, como um dos diversos eventos programados para a Semana da Música 2011(www.musica.ufrn.br), deu mais do que certo.

O músico nos brindou com um charmoso e rico Recital comentado (que contou com a tradução de uma carioca de sobrenome mais do que curioso: Tolstoi) em torno dos Impromptus D899 Opus 90 e D935 Opus 142, peças de fantasia, com caráter narrativo, do compositor austríaco Franz Schubert (Himmelpfortgrund, 31 de Janeiro de 1797 — Viena, 19 de Novembro de 1828).

Por quase duas horas o público contou com uma apresentação de elevado nível musical e toques didáticos sobre a obra de Schubert, contando ainda com a leitura dos poemas e poetas românticos que influenciaram as peças musicais do compositor.

No endereço eletrônico abaixo, você pode encontrar uma entrevista de Cassard sobre os Impromptus de Schubert:

http://www.classiquenews.com/voir/lire_article.aspx?article=1669&identifiant=20081260JVKZ5OEWCGDJ6ZSECD9CP0D3

No coquetel oferecido pela Aliança após o concerto, tive a oportunidade de conversar com o pianista. Cassard me mostrou sua forte impressão de que o Brasil é mesmo um país musical. Falou-me sobre sua admiração por compositores como Carlos Gomes e Villa-Lobos e disse já ter tocado com o celebrado violoncelista Antonio Meneses, além de ser amigo pessoal de Nelson Freire, outro pianista de quilate internacional.

O certo é que o espetáculo de ontem mostrou que podemos ter, nesta cidade, grandes acontecimentos culturais. E, claro, que precisamos saber escolher.

Ah! Um detalhe: a entrada foi gratuita. Afinal, mais uma vez se contou com o apoio e mecenato público da Petrobras e do Ministério da Cultura.

Vale, de fato, ficar atento ao que virá nessa Semana da Música 2011, que vai até o dia 15 de outubro nesta nossa cidade ensolarada.

autor: Oswin Lohss. texto gentilmente revisado por Fátima Oliveira e Fábio Rodrigo Barbosa da Silva.

Por Antônio Gonçalves Filho
Estadão

Retratos Pintados, de Titus Riedl e Martin Parr, recupera a ameaçada arte dos bonequeiros do Nordeste do País, que transformam o negativo da vida de pessoas simples em imagens que as ajudam a suportar a própria história.

aqui

A galeria Anjo Azul vai fechar.
Nada em Natal vinga. Uma galeria maravilhosa durou pouco tempo. Ainda pode-se comprar Quadros e Esculturas em promoção.
Foi vendido muita coisa mas ainda tem muitos objetos de artes belos. Fica aqui o meu lamento.
Pena que os Quixotes foram vendidos

Li no jornal que a galeria vai fechar pq eNatal não tem mercado para obras clássicas e antigas.

Estamos lascados Tácito, Marcão , Carlão e demais decanos.

ENSAIO

Um documentarista se dirige a cientistas
Arte, ciência e desenvolvimento

RESUMO Neste ensaio, derivado de uma participação do documentarista João
Moreira Salles em simpósio da Academia Brasileira de Ciências, discute-se
a hipervalorização das artes e humanidades em detrimento das ciências
“duras” e da engenharia, e as consequências do processo para o
desenvolvimento tecnológico, científico e cultural do país.

JOÃO MOREIRA SALLES

Agradeço ao professor Jacob Palis, presidente da Academia Brasileira de
Ciências, o convite que me fez para falar a uma plateia de colegas seus,
na crença de que eu pudesse servir de porta-voz das humanidades num
encontro de cientistas. Peço desculpas por desapontá-lo.
Sou ligado ao cinema documental e, mais recentemente, ao jornalismo,
atividades que, se não são propriamente artísticas, decerto existem na
fronteira da criação. Jornalismo não é literatura nem documentário é
cinema de ficção. Nosso capital simbólico é muito menor e nosso horizonte
de possibilidades é limitado pelos constrangimentos do mundo concreto.
Não podemos voar tanto, e essa é a primeira razão pela qual, com notáveis
exceções, o que produzimos é efêmero, sem grande chance de permanência.
Não obstante, é fato que minhas afinidades pessoais e profissionais estão
muito mais próximas de um livro ou de um filme do que de uma equação
diferencial -o que não me impede de achar que há um limite para a
quantidade de escritores, cineastas e bacharéis em letras que um país é
capaz de sustentar.
Isso deve valer também para sociólogos, cientistas políticos e
economistas, mas deixo a suspeita por conta deles. Na minha área, creio
que já ultrapassamos o teto há muito tempo, e me pergunto de quem é a
responsabilidade. Em 1959, o físico e escritor inglês C.P. Snow deu uma
famosa palestra na Universidade de Cambridge sobre a relação entre as
ciências e as humanidades. Snow observou que a vida intelectual do
Ocidente havia se partido ao meio.
De um lado, o mundo dos cientistas; do outro, a comunidade dos homens de
letras, representada por indivíduos comumente chamados de intelectuais,
termo que, segundo Snow, fora sequestrado pelas humanidades e pelas
ciências sociais. As características de cada grupo seriam bem peculiares.
Enquanto artistas tenderiam ao pessimismo, cientistas seriam otimistas.
Aos artistas, interessaria refletir sobre a precariedade da condição
humana e sobre o drama do indivíduo no mundo. O interesse dos cientistas,
por sua vez, seria decifrar os segredos do mundo natural e, se possível,
fazer as coisas funcionarem. Como frequentemente obtinham sucesso, não
viam nenhum despropósito na noção de progresso.
Estava estabelecida a ruptura: de um lado, o desconforto existencial,
agravado pela perspectiva da aniquilação nuclear; do outro, a penicilina,
o motor a combustão e o raio-X. Na qualidade de cientista e homem de
letras, Snow se movia pelos dois mundos, cumprindo um trajeto que se
tornava cada vez mais penoso e solitário.
“Eu sentia que transitava entre dois grupos que já não se comunicavam”,
escreveu. Certa vez, um amigo seu, cidadão emérito das humanidades, foi
convidado para um daqueles jantares solenes que as universidades inglesas
cultivam com tanto gosto. Sentando-se a uma mesa no Trinity College -onde
Newton viveu e onde descobriu as leis da mecânica clássica- e feitas as
apresentações formais, o amigo se virou para a direita e tentou entabular
conversa com o senhor ao lado.
Recebeu um grunhido como resposta. Sem deixar a peteca cair, virou-se para
o lado oposto e repetiu a tentativa com o professor à sua esquerda. Foi
acolhido com novos e eloquentes grunhidos.
Acostumado ao breviário mínimo da cortesia -segundo o qual não se ignora
solenemente um vizinho de mesa-, o amigo de Snow se desconcertou, sendo
então socorrido pelo decano da faculdade, que esclareceu: “Ah, aqueles são
os matemáticos.
Nós nunca conversamos com eles”. Snow concluiu que a falta de diálogo
fazia mais do que partir o mundo em dois. A especialização criava novos
subgrupos, gerando células cada vez menores que preferiam conversar apenas
entre si.

SÍNTESE E ORDEM Não sei se alguém já voltou a conversar com os
matemáticos. Torço para que sim, apesar das evidências em contrário. Seria
um desperdício, pois a matemática, para além dos seus usos, é guiada por
um componente estético, por um conceito de beleza e de elegância que a
maioria das pessoas desconhece.
O que move os grandes matemáticos e os grandes artistas, desconfio, é um
sentimento muito semelhante de síntese e ordem. Os dois grupos teriam
muito a dizer um ao outro, mas, até onde sei, quase não se falam. (No
passado, o poeta Paul Valéry deu conferências para matemáticos e o
matemático Henri Poincaré falou para poetas.)
Segundo Snow, com a notável exceção da música, não há muito espaço para as
artes na cultura científica: “Discos. Algumas fotografias coloridas. O
ouvido, às vezes o olho. Poucos livros, quase nenhuma poesia.” Talvez seja
exagero, não saberia dizer. Posso falar com mais propriedade sobre a outra
parcela do mundo, e concordo quando ele diz que, de maneira geral, as
humanidades se atêm a um conceito estreito de cultura, que não inclui a
ciência.
Os artistas e boa parte dos cientistas sociais são quase sempre cegos a
uma extensa gama do conhecimento. Numa passagem famosa de sua palestra,
Snow conta o seguinte: “Já me aconteceu muitas vezes de estar com pessoas
que, pelos padrões da cultura tradicional, são consideradas altamente
instruídas.
Essas pessoas muitas vezes têm prazer em expressar seu espanto diante da
ignorância dos cientistas. De vez em quando, resolvo provocar e pergunto
se alguma delas saberia dizer qual é a segunda lei da termodinâmica. A
resposta é sempre fria -e sempre negativa. No entanto, essa pergunta é
basicamente o equivalente científico de ‘Você já leu Shakespeare?’.
Hoje, acho que se eu propusesse uma questão ainda mais simples -por
exemplo: ‘Defina o que você quer dizer quando fala em ‘massa’ ou
‘aceleração”, o equivalente científico de ‘Você é alfabetizado?’-, talvez
apenas uma em cada dez pessoas altamente instruídas acharia que estávamos
falando a mesma língua”.

RESPONSABILIDADE Vivendo quase exclusivamente no hemisfério das
humanidades, recebo poucas notícias do lado de lá. O que eu teria a dizer
sobre ciência fica perto do zero. Por outro lado, como especialista na
minha própria ignorância, posso discorrer sobre ela sem embaraços. Com as
devidas ressalvas às exceções que devem existir por aí, estendo minha
ignorância a todo um grupo de pessoas e me pergunto de quem seria a
responsabilidade por sabermos tão pouco sobre as leis que regem o que nos
cerca.
As respostas são previsíveis. Em parte, a responsabilidade é dos próprios
cientistas, que não fazem questão de se comunicar com a comunidade
não-científica; em parte é dos governos, que raramente têm uma política
eficaz de promoção da ciência nas escolas; e em parte -e essa é a parte
que mais me interessa- é nossa, das humanidades, que tomamos as ciências
como um objeto estranho, alheio a tudo o que nos diz respeito. A quase
totalidade dos personagens de classe média da literatura e do cinema
brasileiro contemporâneos pertence ao mundo dos artistas e intelectuais.
São jornalistas, escritores (geralmente em crise e com bloqueio),
professores (quase sempre de história, filosofia ou letras), antropólogos,
viajantes (à deriva), cineastas, atores, gente de TV ou filósofos de
botequim. Quando muito, um empresário aqui, um advogado acolá. Para
encontrar um engenheiro ou médico, é preciso voltar quase a Machado de
Assis. Cientistas são pouquíssimos, se bem que no momento não me lembro de
nenhum. (Os filmes de Jorge Duran são uma exceção, mas ele nasceu no
Chile.)
É como se, do lado de fora das disciplinas criativas, não houvesse
redenção. Em “Cidade de Deus”, o menino escapa do ciclo de violência
quando recebe uma máquina fotográfica e vira fotógrafo. Não parece ocorrer
a ninguém -nem aos personagens, nem ao público- a possibilidade de ele
virar biólogo, meteorologista ou mesmo técnico em ciência.
“Cidade de Deus” é uma narrativa realista, e portanto tende a preferir o
provável ao possível. Mas não é só isso. Nenhuma daquelas profissões
soaria suficientemente cool ao público -seria um anticlímax. Em nome da
eficácia narrativa, bem melhor ele virar artista. Eleição para a Academia
Brasileira de Letras dá página de jornal.
Já no caso da Academia Brasileira de Ciências, saindo da comunidade
científica, é improvável achar alguém que tenha pelo menos noção de onde
ela fica, que dirá saber o nome de algum acadêmico.
Há pouco tempo, escrevi o perfil de um jovem matemático carioca, Artur
Avila. Boa parte dos meus amigos -alguns deles muito bem informados- não
sabia da existência do Impa [Instituto Nacional de Matemática Pura e
Aplicada], sob vários aspectos a melhor instituição de ensino superior do
país (o número de artigos publicados em revistas de circulação
internacional de alto padrão científico, por exemplo, põe o Impa de par em
par com alguns dos grandes centros americanos de matemática, como Chicago
e Princeton).

DESCOLADOS Uma das minhas obsessões é folhear a revista dominical do
jornal “O Globo” . Existe ali uma seção na qual eles abordam jovens
descolados na saída da praia, de cinemas, lojas e livrarias, para conferir
o que andam vestindo. No pé da imagem, informa-se o nome e a profissão da
pessoa.
Um número recente trazia um designer, uma produtora de moda, um estudante,
uma dona de restaurante, um assistente de estilo, outra designer, uma
jornalista, uma publicitária, um “dramaturg” (estava assim mesmo), uma
estilista, outra estilista e alguém que exercia a misteriosa profissão de
“coordenadora de estilo”.
Acompanho essas páginas há um bom tempo, e estatisticamente o resultado é
assombroso. Conto nos dedos o número de engenheiros, médicos ou biólogos
que vi passar por ali. Eles não podem ser tão malvestidos assim. De duas,
uma: ou são relativamente poucos, ou a revista prefere destacar as
profissões que considera mais charmosas.
As duas alternativas são muito ruins, mas a segunda me incomoda
particularmente, pois sei por experiência como é poderosa a atração
exercida por algumas profissões com alto cachê simbólico.
Dou aula na PUC-Rio, no departamento de comunicação, que num passado
recente oferecia apenas cursos de jornalismo e publicidade. Durante alguns
anos, lecionei história do documentário para turmas de futuros
jornalistas. Em 2005 foi criada a especialização em cinema -e, hoje, quase
todos os meus trinta e poucos alunos são estudam cinema.

PESADELO Existem no Rio quatro universidades que oferecem cursos de
cinema; no Brasil, são ao todo 28, segundo o Cadastro da Educação Superior
do MEC. No ano passado, a PUC-Rio formou três físicos, dois matemáticos e
27 bacharéis em cinema.
Existem 128 cursos superiores de moda no Brasil. Em 2008, segundo o Inep
[Instituto Nacional de Estudos e Pesquisas Educacionais Anísio Teixeira],
o país formou 1.114 físicos, 1.972 matemáticos e 2.066 modistas. Alimento
o pesadelo de que, em alguns anos, os aviões não decolarão, mas todos nós
seremos muito elegantes.
É evidente que um país pode ter documentaristas demais e físicos de menos.
O Brasil já sofre uma carência de engenheiros. Segundo dados de um
relatório do Iedi [Instituto de Estudos para o Desenvolvimento Industrial]
entregue ao ministro da Educação, Fernando Haddad, a taxa de formação de
engenheiros no Brasil é inferior à da China, da Índia e da Rússia, países
emergentes com os quais competimos.
A Rússia forma 190 mil engenheiros por ano, a Índia, 220 mil e a China,
650 mil, diz o relatório. Nós formamos 47 mil. Os números da China são
pouco confiáveis, mas outras comparações eliminam possíveis dúvidas. A
Coreia do Sul, por exemplo, com 50 milhões de habitantes, forma 80 mil
engenheiros por ano, 26% de todos os formandos.
Na China, a crer nas métricas, essa proporção chega a 40%. Em 2006, a taxa
por aqui era de apenas 8%. Até o México, país com indicadores sociais
semelhantes aos nossos, hoje possui 14% de seus formandos nessa área.

ESTAGNAÇÃO Companhias que integram a “Fortune 500″, lista das maiores
empresas do mundo, mantêm 98 centros de pesquisa e desenvolvimento na
China e outros 63 na Índia. No Brasil aparentemente não é feita esta
contagem; se o número existe, consegui-lo é uma proeza, o que só confirma
a pouca importância atribuída ao assunto. O relatório do Iedi mostrou que
os gastos totais em pesquisa e desenvolvimento como proporção do PIB estão
estagnados no país. Há cinco anos não cresce o número de empresas que
investem em desenvolvimento.
Em 2009, apesar da crise, a Toyota sozinha registrou mais de mil patentes.
A soma de todas as patentes requeridas pelas empresas brasileiras não
chegou à metade disso, segundo a Anpei [Associação Nacional de Pesquisa e
Desenvolvimento das Empresas Inovadoras]. Somos detentores de 0,3% das
patentes do planeta. Em termos de inovação, ocupamos o 24º lugar entre as
nações. O país prospera à força de consumo, não de investimento ou
invenção.
Compramos coisas que foram pensadas lá longe, as quais serão brevemente
superadas por outras coisas que também não terão sido pensadas aqui. É um
processo estéril. Escritores, cineastas e editores de suplementos
dominicais se espantariam em saber que, na China, a proficiência em
matemática desfruta de uma forte valorização simbólica.
Na Índia, um jovem programador de software se sente no topo do mundo. Há
pouco tempo, o jornalista Thomas Friedman, do “New York Times”, publicou
uma coluna sobre os 40 finalistas de um concurso promovido pela empresa de
processadores Intel, que premia os melhores alunos de matemática e
ciências do ensino médio americano.
Cada um deles solucionou um problema científico. Eis o nome dos jovens
americanos premiados: Linda Zhou, Alice Wei Zhao, Lori Ying, Angela Yu-Yun
Yeung, Kevin Young Xu, Sunanda Sharma, Sarine Gayaneh Shahmirian, Arjun
Ranganath Puranik, Raman Venkat Nelakant -assim prossegue a lista, até
terminar com Yale Wang Fan, Yuval Yaacov Calev, Levent Alpoge, John
Vincenzo Capodilupo e Namrata Anand.

VALORIZAÇÃO PÍFIA Enquanto isso, como lembra o matemático César Camacho,
diretor do Impa, várias universidades brasileiras têm vagas abertas para
professores de matemática, não preenchidas por falta de candidatos. A
valorização das ciências entre nós é pífia. Sempre me espanto com a
presença cada vez maior de projetos sociais que levam dança, música,
teatro e cinema a lugares onde falta quase tudo.
Nenhuma objeção, mas é o caso de perguntar por que somente a arte teria
poderes civilizatórios. Ninguém pensa em levar a esses jovens um
telescópio ou um laboratório de química ou biologia? Centenas de
estudantes universitários gostariam de participar de iniciativas assim.
Com entusiasmo -e um pró-labore-, mostrariam que a ciência também é legal
e despertariam talentos. Seria bom também se o nosso sistema educacional
fosse mais flexível, com cadeiras de humanidades e iniciação científica no
ciclo básico de todos os cursos universitários.
É imprudente tomar uma decisão definitiva aos 18 anos de idade, mas é
exatamente o que têm de fazer os alunos ao entrar na universidade -embora,
como norma, eles não saibam para o que têm vocação. Uma vez escolhido o
escaninho, somem as oportunidades de conhecer outras áreas e eventualmente
migrar.
Se em algum momento a vocação se manifesta, em geral o aluno e sua família
consideram que é tarde. Circunstâncias econômicas ou psicológicas -começar
de novo exige determinação férrea- dificultam muito um ajuste de rota.
(Sei bem como é, porque foi o meu caso.) É absolutamente certo que, neste
momento, alguns milhares de jovens estão prestes a cometer o mesmo
equívoco.
Muitos se revelarão apenas medianos ou preguiçosos, e é provável que a
ciência não tenha como alcançá-los. Sem desmerecer os excelentes alunos de
cinema, letras ou sociologia, é impossível negar que, para alguém sem
grande talento ou dedicação, será sempre mais fácil ser medíocre num curso
de humanas do que num de exatas.
Alguns desses jovens sem orientação provavelmente terão inclinação para as
ciências e ainda não descobriram. É preciso criar mecanismos que os ajudem
a escolher o caminho certo. Infelizmente, as artes e as humanidades, pelo
menos por enquanto, não colaboram muito. Ao contrário. Nós disputamos
esses jovens e, infelizmente, até aqui estamos ganhando a guerra.

Estado-da- Arte

Ninguém tem dúvida da importância do SPlural para a cidade de Natal, sua cultura e nossas vidas. Da participação salutar de colegas de fora e nativos no exílio ou a trabalho. Participação de grandes intelectuais, poetas e professores de notório saber. Tudo isso torna esse espaço um veículo único de debates, informações e trocas. Ninguém sabe tudo e temos aprendido muito um com os outros.

O que caracteriza o SPlural é como o nome diz sua pluralidade. Todos podem opinar e poucas vezes uma mensagem foi censurada por agressão a outrem. Nem todos precisam ter a mesma bagagem intelectual e interesses. Quase sempre que leitores intervieram nesse espaço, tinham razão. Exigindo conteúdo e objetividade. Outros não participam e só exigem. Colegas que acessam sempre o SPlural e têm opiniões formadas sobre o seu conteúdo e participantes, mas não contribuem.

Observei algumas vezes, agressões verbais desnecessárias e participações que não ajudam nem informam em nada. Ou seja, de puro exibicionismo.

Outros entraram aqui para desabonar de maneira gratuita a colegas que levam muito a sério esse espaço democrático e revolucionário. Sei, como colaborador da hora primeira, da responsabilidade imensa sobre o que escrevemos e informamos aqui.

O leitor é o sujeito pensante e principal alvo do SPlural

A coisa mais gratificante que sinto no nosso substantivo é que ele já não é mais de ninguém. É um sujeito coletivo que se expressa num amálgama de palavras desencontradas, ou não. Todos desejam comunicar e a pluralidade é a marca desse blog substantivamente plural. Maravilhoso. De minha parte tenho dado o melhor que possuo. Se não flores vai um raminho perfumado com a doce lembrança de um afeto. Um cheiro.

Todas as manifestações aqui expostas são validas e fazem parte desse ser coletivo que é o substantivo. Ele já é da cidade. De todos nós leitores, voyeur, escrivinhadores, admiradores, e críticos. Sim, críticos. Que seria da arte e literatura sem a crítica.

De minha parte tenho muito que aprender. Acho mesmo que todos que aqui se manifestaram foram portadores de uma verdade. Sua. Insubstituível. Sagrada. Bom quando podemos trocar. Em cada microcosmo o todo. Em cada um de nós uma parte substantiva desse blog maravilhoso.

Da Censura:

Das mensagens que foram apagadas e perdidas:

Fiquei muito triste das vezes que as mensagens foram apagadas. Sabemos o que significa a censura, e o que representa a liberdade de comunicação dos blogs, listas, orkut, MSN, Twitter e outras vias mediáticas de rápido acesso que espero de vida longa. Não espero um teatro de sombras, mas de memórias. Já disse da outra vez o quanto isso me dói. O blog SPlural já faz parte de nossa memória e história. Não são poucos os artigos que mando para os jornais impressos que são censurados. Sabemos em que província estamos submersos, para emprestar o título do amigo Otacílio. Fico muito triste quando tentam apagar a minha história.

Grandes debates

O substantivo foi protagonista de grandes e acirrados debates sobre os mais diferentes assuntos, numa ação jamais vista e permitida em outros meios de comunicação da cidade de Natal. Entre os temas abordados lembro dos seguintes:

Lista e discussão sobre escritores e cineastas consagrados.
Centenário do escritor Euclides da Cunha
Importância do Bloomsday em Natal, comemorado há mais de 10 anos.
Regionalismo versus Universalismo
A Mídia e as Eleições em Natal.
Resenhas literárias e de cinema
Crônicas e poesia

De Comemorações e outras efemérides literárias

Um dos assuntos mais discutidos aqui no SPlural foi a literatura. E por conseqüência o Bloomsday, questionado por alguns colegas sobre a sua prioridade para Natal em detrimento de outras comemorações de artistas e escritores locais. Lembrei que outras comemorações e celebrações acontecem em Natal desde o principio do presente século. Trata-se das comemorações do Dia de Camões (10 de Junho) e do Dia Mundial do Livro ( 23 de Abril), em homenagem a Miguel de Cervantes. O “Quixote com Rosas” – na sua 5ª edição – é um sucesso. Um evento para celebrar o livro e o Quixote, um dos maiores livros da literatura. Camões e Cervantes merecem ser comemorados, sempre.

Da poesia

Natal é uma cidade de grandes e diversificados poetas. O dia da poesia é uma das principais celebrações da cidade e vem sendo comemorado há décadas. O SPlural tem participado ativamente na divulgação da poesia local e universal. De poetas consagrados e novos.

Por último gostaria de comentar rapidamente o meu envolvimento e participação nesse blog maravilhoso que espero de longa e profícua duração.

Confesso que tenho me dedicado muito ao SP nesses três anos de existência. Sou um dos colaboradores mais regulares. Escrevia mesmo quando alguns diziam que o blog estava ruim. Sempre participava.

Meu universo é muito amplo e multimídia. Tudo que comento faz parte do meu dia -a- dia. Amo as artes e os livros. Por isso estou falando sempre desses assuntos: cinema, literatura, artes plásticas, livros, bibliografias, efemérides literárias, etc, etc.

Comento por vezes sobre ciência, que é a minha formação principal. Nada é por vaidade, tenham certeza. Debato sempre. Tenho minha opinião sobre a política e militei muito tempo em sindicatos de professores. Acho a política uma atividade essencial do cidadão e do intelectual, em particular.

Acho o SP um luxo para a cidade de Natal e seus participantes. Temos dado voz a quem não tinha. As opiniões divergentes têm aparecido. A opinião deixou de ser privilegio de uma elite “intelectual” de uma província que nem sempre valoriza o diferente e o contraditório. De uma elite que dominou esse estado por muito tempo e não deu voz há muitos. Somos plurais e isso é maravilhoso. Trabalhar com a diversidade é um exercício que devemos aprender a cada dia. Amo vocês e o Substantivo Plural. Parabéns meu querido amigo Tácito. Sei como você tem sido correto e o seu filtro é o da compreensão na diversidade e na tormenta.

Por Almandrade

“Na época atual, a fatalidade de toda e qualquer arte é ser contaminada pela inverdade da totalidade dominadora.” (Adorno)

A arte como um trabalho intelectual que amplia a experiência que o homem tem do real e do imaginário, se opõe ao trabalho alienante da sociedade moderna. Por outro lado, no meio de arte convivem compromissos e interesses alheios à própria arte; suas condições de produção se encontram dentro de um campo social e político, sujeito a um conjunto de pressões. O Estado, os patrocinadores e o mercado, visando interesses imediatos, privilegiam, muitas vezes, artistas cujas obras pouco acrescentam ao mundo da inteligência.

No espetáculo montado pela política, tudo se confunde, tudo passa pela ideologia do poder e pela estética do espetáculo, como: a educação, a economia, a ecologia e os discursos políticos. Nesse palco, a cultura foi relegada a uma coisa mundana, uma espécie de conhecimento ornamental que serve à mídia e ao jogo social; a arte perdeu sua singularidade e suas qualidades que a colocavam acima das banalidades do cotidiano, deixando de ser o olhar que interroga, que transforma cores, texturas, formas, experiências sensoriais em meio de conhecimento. Nesta relação cultura e poder, insere-se a “crise da arte”, onde o poder tem prevalecido diante da pesquisa estética.

Enquanto trabalhos que têm alguma importância pela pesquisa neles investidos, passam despercebidos trabalhos diluidores da informação, reproduções de clichês divulgados pela mídia são celebrados pelos consumidores de decorações e divertimentos culturais. Uma sociedade sem demandas culturais acaba fazendo da arte uma atividade menor. O cotidiano da política e da economia faz o discurso que se infiltra em todos os espaços, expulsando a cultura para a periferia dos interesses da cidadania. Os artistas, que mesmo sem construírem uma obra, tem os seus reconhecimentos garantidos pela indústria da publicidade, se sobrepõem àqueles que tem uma vida dedicada à pesquisa e ao trabalho de edificar uma linguagem, contribuindo para a demolição da ética e do pensamento crítico.

Sem uma consciência crítica e sem uma convicção ética, artistas, críticos, intelectuais, administradores culturais inventados pela mídia e pelo poder político tomam posição e decidem contra a autonomia e a independência do trabalho de arte. Promovem e divulgam os bens culturais em proveito próprio, para se sustentarem de forma privilegiada numa relação de poder. – Nada mais paradoxal, por exemplo, do que essas leis de incentivo a cultura. Por que incentivar a cultura se ela é um componente essencial para o enriquecimento da sociedade? Antes de ser uma questão de lei, a cultura é uma questão de sensibilidade e de cidadania.

Há um desinteresse geral pela cultura que ocupa um lugar cada vez menos importante nos discursos do cotidiano. Para ser artista, antes de mais nada, é preciso um tráfego de influências pessoais, acesso à mídia e aos patrocinadores, que fazem da arte um produto incapaz de atribuir um sentido à existência da sociedade. E quem realmente patrocina a arte? – “Os contribuintes pagam aquilo que as empresas recuperam através de isenções fiscais pelas suas doações, e somos nós que verdadeiramente subvencionamos a propaganda.” (Hans Haacke). Numa sociedade comandada pela economia, tudo se resume à lei da oferta e da procura.

A arte, burocraticamente falando, é mais uma imagem carente de sentido que divulga um certo prestígio social e econômico, e menos um meio de conhecimento indispensável para o homem contemplar o mundo. Se a obra de arte é expressão de uma sociedade, testemunho de um tempo, de um estágio de conhecimento, renunciar à sua inteligibilidade é renunciar à história.

A política, por sua vez, apropriou-se da cultura e fez dela um verniz para animar ou dar um polimento ao discurso político. A arte perdeu sua inocência, ela agora é objeto do mercado, do Estado e de outras instituições que desconhecem seus mecanismos de produção e sua história. Se os partidos políticos que falam de cultura em seus programas de campanha querem fazer alguma coisa pela cultura, não deveriam fazer coisa alguma, e sim, devolverem aos intelectuais, aos artistas, a quem trabalha diretamente com a cultura, o poder de decisão e o comando do processo cultural. É preciso devolver à arte seu território perdido.

Quem atualmente exerce o poder sobre o destino dos bens culturais, trabalha, direta ou indiretamente para o mercado, ou é burocrata de carreira que pouco entende das linguagens artísticas e suas leituras. Acabam desprezando os seus valores à serviço do senso comum. Muitas instituições que lidam com a arte, sem recursos econômicos e sem um corpo técnico ligado à área, perderam a importância e a autonomia, quando não são agências de eventos irregulares sem um projeto definido. A mídia dominou a cultura e o artista deixou de lado a indagação da linguagem da arte, abandonou a solidão do atelier, para se tornar um personagem público do teatro social. E a proliferação de um produto designado como arte e do discurso estético, sem a arte, pode significar o desaparecimento da própria arte.

(*)Artista plástico, poeta e arquiteto

aqui

O artista plástico Luiz Zerbini tem sua obra multifacetada analisada em livro.

aqui

aqui

Mostra de 27 obras Potiguares & Alhures
(acervo e curadoria – Plínio Sanderson)

Artistas participantes:
Antonius Manso, Avelino Pinheiro, Cidinha Alcântara (RJ), Cláudio de Patos (MG), Eduardo Alexandre, Fábio di Ojuara, Fábio Eduardo, Flávio Freitas, Franklin Serrão, Gilson Nascimento, Jesus (RJ), João Natal, Jota Medeiros, Leonardo Sodré, Marcelo Fernandes, Marcelus Bob, Newton Navarro, Plínio Sanderson, Reinhard Schell (Áustria) e Walderedo Nunes.

Interatividade Plástica: artes em cores e aos vivos!

Artistas Plásticos pintando e interagindo com o público:
Pedro Pereira, Flávio Freitas, Franklin Serrão, Leonardo Sodré,
Fabio di Ojuara e o austríaco Reinhard Schell (Áustria)
responderão perguntas do público presente.

Pedro Pereira
Artista plástico se recupera de acidente AV,
uma lição de vida, a arte e seu poder transformador
exercita estilo próprio (florense).

Flávio Freitas
Artista plástico maduro, um dos mais requisitados do estado;
busca novas miríades no fazer arte, com cores vibrantes.

Franklin Serrão
Faz incursões na pintura e recentemente na escultura.
Explora temas populares e surreais.

Leonardo Sodré
jornalista, contista, cronista, atua com desenvoltura na caricatura
irá fazer caricatura ao vivo dos presentes.

Fábio di Ojuara
Artista experimental, escultor com exposições nacional e internacional;
participa do movimento de art mail, fundador do excrementismo: “toda merda agora é arte”.

Reinhard Schell
Estilo contemporâneo, pinta com o corpo, permite ao público deixar voar a imaginação, a criar diversas interpretações sobre as obras, dependendo do universo e conhecimento de mundo de cada um.

SERVIÇO:
Dia: 27/05/09 – sexta às 9h
No auditório do Ciências Aplicadas

ENTRADA FRANCA
Rua nossa Senhora de Lourdes, 56, Tirol (ao lado CAERN)
Informações: 9983 5667

Começamos o dia com a notícia do roubo ao Museu de Arte Moderna de Paris, de onde foram levadas as pinturas abaixo, obras primas das artes plásticas mundial, que dificilmente serão vendidas.

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Com esta exposição pude finalmente começar a perceber as diferenças entre a Arte Concreta e a Neoconcreta.

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Exposição ‘Rebelião em Silêncio’, no Rio, perpassa 35 anos do trabalho da artista alemã.

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V – Personalidades da Cultura do Rio Grande do Norte.

Conversava outro dia com o amigo Jácio. O assunto não podia ser outro: o encantamento do nosso querido Helmut. E Jácio me lembrou de coisas esquecidas e vividas – por ele: Jácio. Das pedras que Helmut atirava no Jácio e outros meninos. Uma vez, Jácio escolheu ficar na frente de fachadas de vidros, no Banco do Brasil. E disse: – rebole a primeira pedra. Seja homem. A vitrine não foi quebrada, mas Jácio teve que correr muito para se livrar das pedras do Helmut.

Todos nós aprendemos a nos livrar dos bodes de Helmut. Tinha dias que ele não estava para conversa. Estava enfesado com tudo e todos. Precisava deixar ele quieto para não levar outra saraivada. Ultimamente ele vendia uma poesia-guardanapo por qualquer dinheiro. Sabia a quem se dirigir. E conhecia os intelectuais da cidade. Deixou muitos poemas em papeis avulsos e inéditos. Alguém precisava reunir, assim como foi feito com os poemas do “Boca do Inferno”.

Os poetas são assim mesmo. Antes de Helmut, teve o Milton Siqueira que vendia poesias em papeis de embrulho. Gostava de escandalizar para tristeza da família. A família não aceitava aquele seu jeito nômade e irreverente de ser.

Lembro da alegria do Abmael, tão pródigo na sua atenção ao Helmut, quando da entrevista que Helmut deu para a revista Piauí, de circulação nacional e muito bem escrita pelo jornalista Levino.

O Helmut, sabendo da minha paixão por Camões, várias vezes recitou cantos inteiros de Os Lusíadas. Ele estava escrevendo algo sobre Camões e queria que eu fosse o primeiro da fila no dia do lançamento. Helmut também adorava cantar Nelson Gonçalves e outras belas vozes do nosso cancioneiro. Fumava várias carteiras de cigarros por dia e numa baforada na cara pedia: – Me dê um real!. Quantas vezes não ouvi – comovido, a esse pedido de um belo e querido amigo.

Um artista como outro não havia em Natal. Um pintor Naify que lembrava Van Gogh. O carteiro do Mestre Cascudo. Um homem culto que conhecia todo “Os Lusíadas” de Camões. A conversa certeira de poucos interlocutores. Cinema, literatura, tudo ele falava com muita sabedoria.
Quando Helmut partiu alguém comentou que ele partia sem deixar nada. Discordo! Qual a herança do artista senão sua arte! Helmut deixou poesia, livros e centenas de quadros que ele pintava em qualquer cartão ou papel. Um homem amargurado que tentou algumas vezes suicídio, e esteve internado por várias vezes em casa de tratamento mental. Uma vez cortou a orelha para lembrar ainda mais o seu artista favorito: Van Gogh. Seus quadros tinham a atmosfera e traços vangoguianos.
Os poetas são assim mesmo: Helmut deixa muitas saudades e um tremendo vácuo no coração da cidade que tanto ele amava. Cidade que ele flanava qual um cisne navegando em mares turvos e habitado por seres muitas vezes medíocres que não têm a dignidade intelectual e humana de Helmut.
O poeta só morre quando ele deixa de ser lembrado. Vamos concluir a obra deixada por Helmut. O seu livro sobre Camões de quem tanto amava. Promover exposições com os seus quadros. Cantar as músicas de que tanto ele gostava.

A saudade de alguém que jamais te esquecerá. Helmut deixou, sim. Muita coisa: Dignidade. Arte. Poesia. Amizade e honestidade intelectual

Na minha opinião o primeiro e grande surrealista do Brasil e da America Latina foi o grande, maravilhoso pintor, poetae filósofo paraense Ismael Nery. Sobre ele escreveu um outro grande poeta: Murilo Mendes.

Confissão / Ismael Nery

Não quero ser Deus por orgulho.
Eu tenho esta grande diferença de Satã.
Quero ser Deus por necessidade, por vocação.
Não me conformo nem com o espaço nem com o tempo,
Nem com o limite de coisa alguma.
Tenho fome e sede de tudo,
Implacável
Crescente.
Talvez seja esta a minha diferença de Deus
que tem fome e sede de mim,
implacável,
crescente,
eterna

— De mim, que me desprezo e me acredito um nada.

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Um murro no plexo solar, foi a sensação que tive ao sair desta exposição, pois as ilustrações que serviram de base às colagens, me lembraram os livros que li na infância e início da adolescência, como O Conde de Monte Cristo, Os Três Mosqueteiros, O Corcunda de Notre Dame, etc. Foram também usadas figuras de livros com seres mitológicos e de literatura erótica, que na época talvez fossem considerados pornografia.

As obras desta mostra me pareceram de um surrealismo alucinado, que me fez pesquisar outras obras do artista para saber se a impressão ficaria, e ficou. Estas imagens me fizeram reviver alguns pesadelos que tive, povoados de seres fantásticos em situações aflitivas.

Me encantou o cuidado que Max Ernst teve para a criação destas peças, pois as figuras escolhidas para completar suas cenas obedeceram o tamanho e a perspectiva do desenho de base, só tornando possível a percepção da montagem pela diferença de tonalidade dos papéis; quando foi necessário algum recorte no original, os brancos foram preenchidos seguindo as linhas iniciais.

Abaixo das imagens, carregadas em alta definição, o “press-release” dos curadores.

Guardadas por mais de 70 anos, obras completas do Gênesis de Max Ernst visitam

D´Orsay, Albertina, Kunsthalle e Fundación Mapfre e chegam à América pelo MASP

Sensação na Europa em 2008 e 2009, Max Ernst – Uma semana de bondade inicia em 23 de abril no MASP sua itinerância pela América. Conservada por mais de 70 anos pelo colecionador francês Daniel Fillipacchi, coleção completa do Gênesis de Ernst traz 184 colagens, cinco delas não exibidas sob alegação de blasfêmia em exposição realizada em Madri, em 1936 – a primeira e única a atual turnê. Nas imagens, a crítica cáustica e surrealista às convenções sociais da Europa do período entre guerras.

Após uma sequência de cinco exposições de arte vindas da Espanha – entre elas as gravuras de Goya, em 2007; Desenhos Espanhóis do Século 20, em 2008; e Walker Evans, em 2009 – o MASP traz ao Brasil em parceria com a Fundación MAPFRE uma das exposições de maior repercussão na Europa nos dois últimos anos: Max Ernst – Uma semana de bondade, que fica de 23 de abril a 18 de julho, na Galeria Horácio Lafer, 1º andar do Museu.

A mostra – que iniciou em 2008 sua itinerância inédita após mais de 70 anos – passou pelos museus Albertina (Viena), Max Ernst (Brühl), Kunsthalle (Hamburgo), Fundación MAPFRE (Madri) e D’Orsay (Paris) e debuta na América pelo MASP, trazendo suas provocações e preciosidades: entre as 184 colagens originais e de extrema fragilidade estão cinco obras jamais expostas ao público. Sob alegação de blasfêmia, elas não participaram da única exposição realizada com as colagens, em 1936 em Madri, na Biblioteca Nacional, atual sede do Museu Nacional de Arte Moderna.

Terceiro romance-colagem de Ernst – que já havia produzido La femme 100 têtes (1929) e Rêve d’une petite fille qui voulut entrer au Carmel (1930) -, Uma semana de bondade foi criada em 1933, auge do movimento surrealista, durante uma viagem de três semanas à Itália, precisamente ao Castelo de Vigoleno, cidade medieval da Emilia-Romagna. Recortando uma série de imagens de livros, jornais, romances e revistas populares na Europa desde 1850, o artista transformou entretenimento em uma ação de alerta e revolta contra os valores da época.

No entanto, o processo de “colagem” da série já começou bem antes, pela escolha do nome: La semaine de la bonté foi uma associação de ajuda mútua fundada em 1927 para promover o bem-estar social em Paris. Neste período, a capital francesa foi inundada por cartazes da organização buscando apoio da sociedade. Ernst pegou “emprestado” o nome e fez de Uma semana de bondade uma alusão ao relato bíblico da criação da Terra.

A gênese surrealista

A coleção é divida pelos dias da semana e deu origem a cinco livros lançados em 1934 (os três últimos dias – Quinta-feira, Sexta e Sábado – reunidos em um único por não ter a coleção alcançado as expectativas comercias). Nas colagens Ernst afastou-se da concepção bíblica, criando seu próprio Gênesis: o Domingo surrealista é recheado de orgias, violência, blasfêmia e morte, primeiro contraponto significativo ao “dia de descanso”. Homens com cabeças de leão, símbolo do poder, é ironia recorrente nas 35 colagens intituladas O leão de Belfort, na qual as obras são individualizas por sequência numérica, recurso utilizado em todos os dias da coleção, além de obedecerem a um elemento chave, neste caso, a “Lama”.

Composta por 27 trabalhos, Segunda-feira, cujo nome e elemento são denominados “Água”, narra quão insignificante é o poder das autoridades diante a força da natureza: águas invadem e arrasam toda a cidade de Paris, questionando os valores exercidos pela burguesia da época, em críticas ainda coerentes aos dias de hoje. A sequência se mantém na mesma esfera: homens com asas de dragões e serpentes presentes em situações da rotina da classe privilegiada compõem as 45 obras da irônica Terça-feira, representada pela série A corte do dragão dentro do elemento “Fogo”.

O caráter mítico de Édipo é abordado sob o elemento “Sangue” nas 29 colagens de Quarta-feira, batizada com o nome do mito grego. O episódio em que Édipo teve o pé ferido por seu próprio pai, seu reencontro fatídico no qual assassina seu progenitor e posteriormente o enigma proposto pela Esfinge, são simbolizados por homens com cabeças de pássaros nas mais diversas situações, num triste sarcasmo que escancara o eterno receio da tragédia por vezes imposto pelo destino, inerente às escolhas.

A Quinta-feira é subdividida em O riso do galo, que conta com 16 colagens, e A Ilha de Páscoa, formada por outras dez. Ambas sob o elemento “Escuridão” abordam as diferentes formas de poder: na primeira, o galo gaulês, símbolo do estado francês, é presente em todas as imagens, inclusive como parte do corpo dos protagonistas da cena. Em A Ilha de Páscoa, situações de intimidade são exibidas sempre com um de seus personagens usando máscaras. Nestas duas séries, Ernst preenche o espaço intermediário das colagens com tinta ou lápis, criando uma cena que evoca paisagem ampla.

Representada por Um poema visível, Dois poemas visíveis e Três poemas visíveis (compostos por seis, quatro e duas colagens, respectivamente), a Sexta-feira obedece ao elemento “Visão”. Aqui imagens emblemáticas abordam o interior, a estrutura do humano e do ambiente que o cerca: corvos, caveiras e uma série de símbolos são utilizados nas três divisões. Neste “dia” Ernst retoma o uso da colagem sintética, método utilizado por ele no início de sua carreira, no qual elementos heterogêneos são colocados sobre uma folha de papel branco.

O Sábado, último dia da semana, batizado A chave das canções, referencia ao elemento “Desconhecido”, onde toda a preocupação com a realidade é abolida. Mulheres em transe deixam suas camas e quartos para voar, cenas retratadas nas dez obras em que Max Ernst ilustra o fascínio surrealista com a histeria libertadora e inspiradora.

A narrativa da coleção se apoia unicamente na imagem, convertendo-se no ponto máximo do chamado romance-colagem e num dos maiores expoentes do surrealismo. A técnica empregada por Ernst nesta coleção cuidou para que os pontos de união, onde usou a colagem, fossem imperceptíveis com o objetivo de que a ilusão ótica criada pela colagem fosse completa, dando lugar a uma “nova” realidade.

Com este trabalho, Max Ernst rompeu as fronteiras entre gêneros e técnicas e transformou Uma semana de bondade em um dos temas principais do surrealismo – e ataca reservadamente àqueles que consideravam, naquela ocasião, este um movimento essencialmente literário.

Sobre o artista

Max Ernst (2 de abril de 1891, Brühl, Alemanha — 1 de abril de 1976, Paris, França) é provavelmente um dos poucos artistas que reinventou a si mesmo ao longo de toda sua vida. Ao lado de Picasso, fez parte de alguns dos grupos e movimentos de vanguarda mais importantes do século 20. Porém o que caracterizou em todo momento sua trajetória foi a capacidade de seguir adiante, sempre à frente destes movimentos, convertendo-se assim em referência e influência não só para seus contemporâneos mas também para os artistas atuais, entre eles artistas díspares como Cindy Sherman, Neo Rauch e Julie Nord.

A capacidade de Max Ernst criar um universo e um olhar próprio, diferente e singular, o transforma em um dos artistas de referência no século 20 e também em um dos mais complexos e mutáveis. Dadaísta, surrealista, poliglota e ávido leitor, Ernst desenvolveu um universo absolutamente particular e pessoal. Por conta de sua deslumbrante e afiada inteligência, além da sensibilidade e senso de humor ácido e irônico, é possível encontrar influências de Ernst em toda a história do século. Essa mistura de curiosidade e constância que encaixa o discurso do artista é a base sobre a qual foi construído o olhar de Ernst: uma busca incansável, onde, como diziam os sábios gregos, é muito mais importante o caminho que a chegada.

Serviço Educativo

Como nas mostras compostas por obras do acervo e nas exposições temporárias realizadas pelo MASP, Max Ernst – Uma semana de bondade terá um programa educativo elaborado especialmente para atender aos visitantes, professores e alunos de escolas das redes pública e privada. As visitas orientadas são realizadas por uma equipe de profissionais especializados. Informações ao público: 3251-5644, r 2112.

Max Ernst – Uma semana de bondade

Exposição com 184 colagens do artista alemão, cinco delas inéditas.

Realização e coordenação: MASP e Fundacíon MAPFRE

Em exposição: De 23 de abril a 18 de julho de 2010

Vernissage: 22 de abril, quinta-feira, às 19h30

Patrocínio: Fundacíon MAPFRE

Montagem: MASP

Horários: De terças a domingos e feriados, das 11h às 18h. Às quintas das 11h às 20h.

Ingressos: R$ 15,00. Estudantes: R$ 7,00. Gratuito até 10 anos e acima de 60 anos.

Às terças-feiras a entrada é gratuita para todos.

MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand

Av. Paulista, 1578. Informações ao público: Fone (11) 3251 5644.

Acesso a deficientes. Estacionamento ao lado, na Av. Paulista: R$ 10,00.

Novo site do MASP: www.masp.art.br. No Twitter: http://twitter.com/maspmuseu

A via sacra é sua obra prima. O Cristo está nu. As mulheres, muitas mulheres grávidas, tristes, famintas e em romarias. Olhos expressivos denunciam desespero. As mãos são levadas á boca. A boca está gritando. “quem, se eu gritasse , me ouviria dentre as ordens dos anjos? Perguntam esses seres desesperados de Rilke na epígrafe de Leopoldo Nelson.

Da boca também pode sair flores. As mulheres são do mundo. Podem ter um pescoço a la Modigliani. Ou pode ser uma nordestina faminta. O grito está sempre no ar. Jovens e Velhas. Mulheres de Munch. Rostos algumas vezes redondos, angulosos e ovalóides. Do negrume de seu pincel a carne dilacerada de sua arte. Nos rastros de traço um destino próximo anuncia. É preciso um pacto. E preciso se embriagar das sombras das madrugadas. Uma constelação de rostos humanos iluminam de escuridão a sua arte. O vermelho-sangue esparrama em algumas de suas telas. Sofreu muitas influencias, mas sua pintura traz a marca do expressionismo do século XX.
O poeta é apaixonado por Garcia Lorca, Rilke, Goya, El Greco e Dali que ele encontra moribundo e o pinta com seu bigode eloqüente. Você meu amigo e os livros. Poeta do traço e homem da ciência. Professor da UFRN. Receba a minha gratidão nesse dia que comemora o seu encantamento e saudades de quem nunca o esqueceu.

O Leopoldo Jovem e solitário na Catalunha encontra a sua arte. Os Quixotes com quem ele se depara na Espanha estão em toda parte. …. “porque, ainda existe em cada Espanhol, um Dom Quixote vivo. Talvez, estes D. Quixote não sejam mais do que os sonhos impossíveis, sonhados por todos os Sanchos Pança, nas suas buscas particulares de estrelas mais distantes”, diz Leopoldo em fragmentos biográficos de 1981. Continua Leopoldo … “o povo Espanhol que, simbolicamente, transfere para o touro o desconhecido da sua alma. “ . Leopoldo transferiu para as suas telas todo o seu sofrimento. O sofrimento de todos nós. Um Brinde para você meu amigo e poeta das madrugadas de luas escorridas e mortas.

Dorian Gray nasceu em Natal – RN há oito décadas. Escultor, ceramista, tapeceiro, escritor e poeta. Meu amigo. Merece todas as homenagens nos seus 80 anos. Um grande artista e uma grande figura humana de Natal. Um homem que dedicou sua vida às artes. Escreveu o precioso Dicionário dos Artistas Plásticos do Rio Grande do Norte que aguardamos ansiosamente. Uma obra de fôlego e de uma vida. Ninguém viveu e conhece mais a arte do nosso estado que o múltiplo artista Dorian Gray. Irmão da grande artista Zaíra Caldas e pai do poeta Adriano.

Dorian é um artista do seu tempo e tudo foi registrado nas suas telas e aquarelas, São casarões antigos, engenhos de açúcar, camponeses e vilas populares imortalizados na arte desse artista genial. Grandes murais com temas folclóricos podem ser apreciados no Aeroporto Augusto Severo e outros pontos da sua cidade Natal. Suas belas tapeçarias, algumas na UFRN, precisam de restauros imediatos. São famosas suas marinas e telas com temas populares espalhadas por todo o Brasil. Em clínicas médicas, galerias de artes, universidades e coleções particulares.

No quarto centenário do Quixote, Dorian elaborou com muito engenho e arte uma série de telas inspirada no cavaleiro da triste figura e sua amada Dulcinéia. A Exposição aconteceu na Academia Norte-Rio Grandense de Letras.

Como parte das comemorações dos oitenta anos do artista será aberta nessa sexta feira ( 07 de maio) uma exposição na Pinacoteca do Estado do RN com 25 telas da sua coleção particular.

Dorian é um artista completo e não pára de criar e escrever. Tem mais de 10 livros publicados sobre artes plásticas e literatura. Organizou a poesia do poeta Luiz Rabelo que foi publicada em alentado volume. Tem escritos sobre as mitologias em Os Lusíadas de Luis de Camões e muitos outros trabalhos inéditos.

Há dois anos Dorian foi justamente homenageado com o título de Doutor Honoris Causa da UFRN. Faz parte do Conselho Estadual de Cultura e da Academia de Letras do Estado do Rio Grande do Norte.

Oitenta anos semeando a cultura e a beleza. Em 1930 Drummond publicava o seu primeiro livro de poesia. Há oitenta anos não temos uma pedra no caminho das artes potiguares, mas uma grande artista que fez do seu trabalho uma declaração de amor á sua terra, aos seus costumes e tradições imortalizadas nas suas telas, murais e esculturas.

Parabéns meu querido amigo

O Globo

NOVA YORK- A pintura a óleo ‘Nude, Green Leaves and Bust’, de Pablo Picasso, foi vendido nesta terça-feira, 4, por mais de US$ 106 milhões no Christie’s, em um recorde para uma obra durante um leilão de arte impressionista e moderna na sede nova-iorquina da casa de leilões Christie’s.

A obra do artista espanhol, pintada em 1932, era uma das principais peças da noite, e seu preço de venda, excluídas as comissões, superou as previsões da casa de leilões.

A vibrante pintura de Picasso e de sua amante Marie-Therese Walter foi a peça mais importante da coleção dos falecidos mecenas de arte Frances e Sidney Brody.

Esperava-se que a obra fosse vendida por mais de US$ 80 milhões, mas muitos especialistas em arte previram nas últimas semanas que ela alcançaria um preço maior devido a confiança na recuperação do mercado de arte.

A tela superou o recorde de US$ 104,3 milhões da obra de Giacometti, ‘Walking Man I’, que foi vendida pelo Sotheby’s em Londres.

Mais de cinco pessoas tentaram adquirir a obra que os Brody compraram na década de 50. O comprador se apropriou da pintura após falar por telefone com um executivo do Christie’s.

O preço final de US$ 106.482.500 incluiu a comissão da casa de leilões.

Francisco Brennand

2 de julho

Pesadelo e morte. Morreria assassinado junto com um banqueiro que apenas conheço de vista. O assassino também cometeria suicídio, logo em seguida, com a última bala do seu revólver. Três balas no ventre do rico banqueiro, duas no meu peito e uma para a cabeça do assaltante. Não falarei desse pesadelo que me pareceu demasiado longo.

Sempre suspeitei que a memória dos sonhos não corresponde precisamente aos sonhos, mas, pelo menos, por momentos, estive dentro do inferno. Embora fosse um inferno  ao ar livre, em plena natureza, permanecia, ainda assim, cheio de ingredientes infernais, situações alucinantes, todas propícias à uma sensação de angústia infinita. Depois de morto (sem ter a certeza de estar morto), perambulava pela terra e via coisas indescritíveis, paisagens e seres deslocados de seus lugares habituais. O que faço no momento não será uma tentativa de reconstituição do sonho − matéria impossível − e sim algo que se relaciona com um fato estético, daí porque recordá-lo me fascina: um imenso cabo de aço, semelhante a um gigantesco teleférico, atravessava um oceano ou um lago sem que eu adivinhasse onde se situavam suas extremidades. Esse cabo, ajudado por fios, roldanas e correias suplementares, sustentava pela cabeça ou pelos seus longos cabelos louros, em espaços simétricos, uma centena ou mesmo milhares de freiras, com suas vestimentas monacais, todas, por assim dizer, penduradas e verticalmente expostas abaixo desses fios. Poderia sem esforço algum ver os seus pés descalços e, em plena luz, observar a palidez sobrenatural de seus rostos, quase sempre de olhos fechados.

Acontece que o enigmático mecanismo não era fixo. Algo fazia com que os corpos se movimentassem, rolando através desse infinito teleférico sem, contudo, haver nenhuma modificação na distância entre uma e outra freira. Lembro-me com absoluta clareza desta atroz simetria que, apesar do contínuo balouçar dos corpos, mantinha esses espaços  inalterados.

Repentinamente, essas freirinhas (todas eram igualmente jovens) são desprendidas uma a uma do grande cabo, começando da esquerda para direita, em tempo cronometrado, e lançadas ao mar. Um mar ou um lago de um azul intensamente luminoso, que paleta alguma de pintor poderia imitar. Do lugar em que eu me encontrava, talvez como a única testemunha dessa cena, via esses corpos simétricos e belos caírem n’água sempre em posição vertical e, no mais absoluto silêncio, serem tragados pelas águas, num redemoinho de espumas brancas, de um brilho indescritível.

Ressalto um detalhe importante: Toda essa visão foi observada de uma altura desmedida, cujo cenário tinha o seu equivalente aéreo em relação a paisagem marinha ou lacustre. E se eu não estava em uma montanha, certamente  voava, e era em pleno vôo que acompanhava aquele sinistro e ao mesmo tempo fantástico cortejo.

Como mencionei  o fato estético, procuro agora na vigília os equivalentes plásticos desse sonho, o que logo me parece uma temeridade. Nem mesmo William Blake, com as suas cenas fantasmagóricas e visionárias, tampouco os soturnos quadros do pintor suíço Heinrich Füssli, muito menos Buñuel, ou Salvador Dalí, na época heróica do cinema surrealista, nenhum deles poderiam aproximar-se das inacreditáveis imagens que presenciei. Magritte e Max Ernst, nem pensar. Resta-me, talvez, Giorgio de Chirico.  Esse nome, entre todos, me faz refletir, não propriamente pelas cenas impregnadas do espírito metafísico que soube invocar e transmitir nas suas pinturas como nenhum outro pintor moderno conseguiu, mas, sobretudo, pela extraordinária antevisão das coisas relacionadas com o misterioso e o desconhecido. Recorda-me certos trechos cristalinamente absurdos de sua novela − quase desconhecida − Hebdomeros, como também, me recorda algo que só o seu mágico olhar poderia descobrir.

No ano de 1921, esse extraordinário artista, jamais desatento, escreveu um artigo consagrado a Max Klinger, onde comenta uma água forte, intitulada  O rapto de Prometeu: “Esse estranhíssimo voo, gravado por Klinger, já nos deixa perceber a cena em toda sua realidade, alcançando o grupo volante no nível do espectador, de tal modo que quem a olha, de pronto, participa   da emoção   desse  voo  dos deuses.  A genialidade dessa composição está claramente demonstrada pelo fato de que, ao espectador, ela dá a impressão de uma cena que realmente aconteceu…”

Nota: A citada água-forte de Max Klinger sugere com raríssima eficácia uma revoada dos deuses, aquilo que modernamente os arquitetos denominam como perspectiva em voo de pássaro. Além da cena mitológica representada por Prometeu, carregado como um fardo por Mercúrio e a Águia Real de Júpiter, a gravura tem como pano de fundo uma longínqua e agitada paisagem marinha. Este trabalho, até o ano de 1969 se encontrava em Roma na coleção Giuseppe Sprovieri, quando foi escolhida, como uma preciosidade, para uma grande exposição na Galleria D’Arte Moderna em Torino: Il Sacro e Il Profano Nell’art dei Simbolisti.

Se não citei Hyeronimus Bosch, foi em vista de sua universal magnitude no domínio do mistério e do fantástico. Seu gênio, não poderia estar contido como forma de representação de apenas um único sonho, desde que ele já incluiria em si todos os sonhos e todos os pesadelos do mundo. E, de resto, eu só estava  propenso a falar de sonhos e sonhadores a partir do século XIX. Segundo tudo indica, não será difícil descobrir a razão desta obstinada escolha cronológica. Antes deste século, Sigmund Freud ainda não havia nascido.

3 de julho ─ 8h da manhã

De noturno, só o sonho, de sombrio, só a lembrança. O restante era todo feito de luz e de cores cintilantes, na sua claridade estelar. As faces descoloridas pelo sono eram igualmente pálidas e fantasmagóricas como os últimos vestígios de um afresco de Fra Angélico, pintado com cores muito claras. Mesmo os mares abissais, o seu azul não era desse mundo. Era também o anúncio de um anjo que renovaria a luz caída.

Não só uma perspectiva em voo de pássaro, mas, no caso do Rapto de Prometeu, uma revoada celeste à altura da Águia de Júpiter. Prometeu é apenas o pesado troféu que se transporta em meio ao solitário firmamento. A longínqua paisagem em baixo é um poço sem fundo, como a história do sofrimento humano.

6 de julho

Uma tarde inteira com o poeta Tomás Seixas. Continua a trabalhar no seu livro Casa dos sonâmbulos. Textos e textos reelaborados durante anos a fio. Sempre recomeçados, mas sempre os mesmos. Palavras testadas arduamente à luz da memória vigilante, de toda sua memória,  visual e auditiva, numa procura desesperada e categórica que o faz retornar ao mesmo lugar, a um ponto fixo, a um único e inalterável lugar, ou seja, o derradeiro ato de interpretar o primordial:  No princípio foi o Verbo…

Borges, no seu ensaio sobre A Cabala, comenta que “a noção do livro sagrado é completamente diferente do livro clássico. Num livro sagrado, são sagradas não apenas suas palavras, mas também as letras com que elas foram escritas”.

O poeta Tomás, na sua ortodoxia pessoal, não parece pensar de outra maneira, e assim prossegue lentamente em direção a essa quase inacessível Porta Estreita. A noite se aproximava quando condescendeu em fazer a leitura de uma artigo escrito há mais de vinte anos sobre Amadeu Modigliani. Depois, já sem o texto nas mãos, com a voz entrecortada pela emoção, como quem recorda antigas amantes, falou dos retratos de Beatrice Hastings, de Jeanne Hebuterne, esta, na sua opinião, muito semelhante a uma virgem gótica. E, recordou também da Grande Femme Nue − talvez um dos mais belos nus da pintura contemporânea , pintado em 1919, um ano antes do artista falecer num hospício em Paris.

7 de julho

As simpatias de Gauguin pela barbárie fez nascer a pintura moderna. Mas, afinal de contas, o que é um bárbaro, ou o que é um selvagem? Cesare Pavese, neste domínio, também começa perguntando: “Será possível ir mais além do que Jack London em O apelo da Selva? A arte do século XX  tende  para o selvagem. Primeiro, nos temas (Kipling, D’Annunzio); depois, na forma  (Joyce, Picasso, etc). Leopardi, com suas ilusões poéticas juvenis, procurou o selvagem como forma psicológica. Até Nietzsche tinha este sabor (com o seu Dionisos)”.

Ao próprio Pavese, o selvagem parecia interessar “mais como mistério do que como brutalidade histórica. Selvagem quer dizer mistério, possibilidade aberta”.

Vejamos então o que dizem os gregos, esses mesmos gregos e seus parentes afins − os romanos − dos quais Gauguin recomendava fugir como o diabo da cruz: “Jamais os gregos“.

Gauguin, dando as costas em definitivo à Europa e se instalando em Fatu-Iva, ilha das Marquesas, quase ainda antropofágica, à procura do que ele declarava ser indispensável para a plena realização de sua arte: “Creio que ali, este elemento selvagem, esta solidão completa, me dará antes de morrer um último fogo de entusiasmo que rejuvenescerá minha imaginação”.

Voltando aos gregos − os inventores da palavra bárbaro − o que pensavam eles a respeito de outros povos fora dos seus deuses, dos seus templos e dos reluzentes muros de calcário branco?

Nos dias cinco e sete de setembro de 1944, no seu  Ofício de viver, Cesare Pavese, não sem uma certa ironia, comenta exemplarmente:  “Dos sete trechos em que Heródoto na descrição do Egito diz que tem escrúpulos em tocar nos mistérios, trata-se, em três casos, dos deuses-animais, em dois do rito fálico, nos outros de autoflagelação e de iluminação sagrada. Por que é que Pan é representado com cabeça e pernas de bode? ( XLVI). Por que é que o porco − imundo durante o resto do ano − é sacrificado e comido durante a festa de Baco? ( XLVII). Por que é que os animais são em geral  sagrados? ( LXV). Aqui, Heródoto sente um horror totêmico e não ousa falar. Por que é que as imagens fálicas na festa de Baco têm o Phallus nu e movido por fios? ( XLVII). Por que é que os atenienses fazem as estátuas de Hermes fálicas? ( LI) Aqui, Heródoto sabe que Phallus e Deus coincidem e não ousa  dizê-lo. Em honra de quem, se batem os crentes durante a festa de Ísis? (LXI). Por que se celebra em SAIS  a festa das lâmpadas? (LXII). Existe aqui provavelmente qualquer um outro horror que a respeitosa curiosidade mundana de Heródoto não teve a coragem de enfrentar. Eis um exemplo da maneira grega de tratar o selvagem: é reconhecido com respeito tolerante, como sagrado, e, acabou-se. Os gregos possuem a consciência racionalista de que o mundo do sagrado e do divino esconde abismos e que é preciso correr um véu sobre ele. (Outrora, faziam-se sacrifícios aos deuses, mas sem os nomear (LII) ). Foi ainda há pouco tempo que Homero e Hesíodo descreveram e narraram os deuses ( LIII).  O tom de Heródoto é quase de censura )”.

9 de julho – 6h 45m

Pouco a pouco, como numa cidade sitiada, nos habituamos (ou nos abandonamos) à desgraça. “A revolta é o ladrar do cão louco”, diz Camus, citando Antonio e Cleópatra,  de Shakespeare. Meu Deus! uma minúscula notícia de jornal, como se fora uma charge de humor negro, e, no entanto, deve ser verdadeira na sua aparente frieza estatística. Fala da fome no mundo. Da fome que atinge sobretudo as crianças e, ainda assim, sem levar em conta  todos aqueles que, ainda não nascidos, estariam de antemão condenados ao mesmo suplício.

Ivan Karamázov afirmou que suportaria tudo, menos o sofrimento de uma criança. Presumo que ele tenha falado por toda a humanidade, mas parece que as coisas não têm se modificado, e acredito que continuarão assim até o fim dos tempos.

14 de julho

“Então eles se agarraram, se enlaçaram e combateram, até que a mão dele chegasse à sua cintura fina e a ponta dos dedos tocasse o seu corpo flexível. E então os seus membros amoleceram e ele tremeu suspirando como um junco da Pérsia no rugir da tempestade”. (História do combate entre o lutador Charkan e a jovem rainha Abrise).

31 de julho

Não tendo para onde fugir ontem à noite, se entrega  nos braços de Gertrudes que, a seu pedido, toda vestida de seda negra, o aguardava impacientemente. Ela cumprira à risca as suas insólitas recomendações e, talvez, ainda muito mais do que esperava, pois, como notou, nenhum detalhe do seu traje fora descuidado. A massa rebelde dos seus cabelos negros, com franja sobre a testa, acentuava o branco intenso do rosto, propositadamente embranquecido pela maquiagem, como uma máscara trágica de teatro Kabuki. Os olhos igualmente acentuados de negro, assim como as sobrancelhas muito finas e arqueadas, completavam com o vermelho intenso dos lábios toda essa sofisticada caracterização. Difícil para ele foi tão somente fazer com que essa improvisada atriz cumprisse o seu o papel.

Já nas primeiras horas da manhã, compreendeu afinal que todos os esforços nesse sentido seriam vãos, e que o aprendizado necessitaria, como era de se esperar, de tempo, de muito tempo. Acontece que ele não tinha mais como ainda aguardar. E foi apenas para encorajá-la que a brindou com o título solene de Princesa da Armênia, rainha pelo menos naquele instante, no seu  insuspeitável e inóspito deserto. Entretanto M.G. é uma figura noturna digna do maior respeito, cuja sensualidade é inesgotável e amedrontadora.

1 de agosto – 20h 48m

Mais uma vez, quase como se fosse uma rotina, volto à fábrica à procura de uma pousada mais segura para dormir. Já não confio em Dalila. Poderia cortar os meus “cabelos” e, então, eu perderia as minhas forças.

2 de agosto

O catre como dormida, foi péssimo, mas pior ainda é, na madrugada solitária,  aperceber-se que a ninguém interessa o nosso ingênuo abandono. Compreende-se então, muitíssimo bem, o desespero dos velhos e dos fracos.

Como um mestre da amargura (na qual finalmente soçobrou), Pavese comenta: “Deixa-se de ser jovem quando se descobre que de nada serve contar uma dor”.

A minha sorte em neutralizar tão nefasta lembrança nasceu de um outro comentário, esse sim, totalmente enigmático, mas que, em todo caso, tem ajudado a reanimar-me, podendo mesmo ser utilizado como escudo ou até como uma lança para defesa daqueles que, já não sendo jovens ainda, da vida esperam alguma coisa. Quem assim promete é o pintor Jean-Auguste Dominique Ingres, figura, aliás, bastante controvertida na vida e na arte, mas que, como ninguém, soube defender com unhas e dentes o seu obstinado beau-ideal: “A minha velhice me vingará”, foi o que ele disse, e não precisava dizer mais.

Já não é hora de dizermos como na peça de Shakespeare, “All’s Well that End Well”, “Tudo está bem quando acaba bem”.

Andréa Monti: “E não consola saber que é de história de loucura que está pavimentado todo o caminho seguido, desde o Prometeu até a corrida do átomo”.

4 de agosto − 7 horas

Começo o dia entorpecido. O catre não funciona como um leito ideal. Antes fosse duro e inóspito como todos os catres que se prezam, mas este é estofado de almofadas de couro, que me fazem afundar como um náufrago.

Continuo preso às recentes discussões políticas que participei na casa de Tomás, junto a outros amigos, quando, com veemência, lembrei um estranho comentário de Pavese sobre a Revolução Francesa: “A verdadeira Revolução Francesa ainda não aconteceu, mas quando de fato acontecer, tenho a vaga impressão de que com ela não estarei de acordo”. A enorme coragem e lucidez desse escritor em emitir um comentário tão original pode parecer, aos menos avisados, apenas uma mera brincadeira. Acontece que não é brincadeira alguma. Como citei de memória, logo à noite corri célere aos textos do Ofício de viver, no pressuposto, inclusive, de que lá encontraria esta observação.  Nada descobri. Agora pela manhã, retorno aos mesmos textos e nada… Isso me confunde a ponto de supor que Pavese nunca afirmou uma tal “heresia”. Mas, se não foi ele, quem foi então? Quanto a mim, não sei se concluiria com tamanho acerto, humor e igual originalidade um semelhante juízo, embora, com ele, estivesse de completo e irrestrito acordo.

Alguém me diz que a famigerada Carta ao Pai, de Franz Kafka, jamais chegou ao seu destinatário. A sorte foi de ambos. Seria terrível, difícil e mesmo espantoso que um pai pudesse ler tais acusações e que o filho ainda sobrevivesse à tamanha maldição.

Não é possível que Franz Kafka, como homem e escritor,  não se apercebesse dos misteriosos limites da “verdade”, daquilo que, supondo verdadeiro, não é ainda toda a verdade. Há um vazio a considerar e é nessa lacuna que os fatos se desenvolvem, concentram-se e também se expandem perigosamente. O próprio Kafka num seu aforismo reforça o que digo: “Na luta entre ti e o mundo, apóia o mundo; não se deve lesar a ninguém, nem sequer frustar o mundo da sua vitória”.

5 de agosto – 21h 50m

Mandei comprar na cidade a mais simples cama de ferro (tipo solteiro). O motorista junto com o vigia da fábrica trazem uma cama pintada de azul celeste, o que me deixa encolerizado. Fiz-lhes ver o absurdo dessa cor com a qual eu terei de conviver dentro do meu próprio atelier ao lado de outros móveis, na sua maior parte sombrios. Para a minha crescente irritação, demoraram em montar  as  ferragens e eu, aqui  com  os  meus  botões, só  pensando em  mandar repintá-la de uma

outra cor. De repente, olho no fundo da sala, a pequena cama estava ali armada, resplendendo no seu  azul  cerúleo  profundamente  belo  e  primaveril.  Era  a  pincelada   de  gênio  necessária para

vivificar esse ambiente sobrecarregado de ocres pardacentos, sienas, brancos sujos e  pretos desbotados.

Saiu o velho catre que há tantos anos me serviu e entra uma cama jovial com a sua nova harmonia, aparentemente extravagante à maneira do Blue Boy de Gainsborough, este também, de tão celestial presença entre tantos pardos, terrosos e aborrecidos.

A cama celeste, ou a celestial morada, funcionou a contento, e posso asseverar que dormi bem melhor essa noite. Apenas tenho de reconhecer que é uma cama frágil e casta que não permitirá a presença de mulheres à toa.

7 de agosto – 3h20m

Os insetos e, possivelmente, uma conversa telefônica que mantive com Fenícia, ontem no começo da noite, não me deixaram dormir. Irritou-me acordar apenas às três horas da manhã, uma hora pesada, propícia ao desenlace dos moribundos, Hora do lobo (título de um filme de Bergman, não é verdade?). Mas, o que enlouquece os escandinavos, ainda mais que a nós outros, que já somos todos mais ou menos ensandecidos?

Fenícia também é louca. Toda loucura é irresistível e insistente. E ela insiste como ninguém. Que dificuldade em convencer um louco para que ele deixe de ser louco! De volta para a cama celeste, vejo o grosso volume laranja, o inconfundível Journal de Kafka, traduzido para o francês. Abro-o ao acaso. Tout se refuse à être êcrite. Em baixo da frase, há um grifo canhestro, trêmulo, incompleto, marca registrada de quem não ama os livros, mas que, assim mesmo, pode ainda amar os textos. Mas como é que se pode amar os textos sem amar os livros? Então, não se ama nenhum dos dois? O grifo embaixo da frase genial de Kafka é meu. Logo, não amando os livros, igualmente não devo amar os textos.

Voltando ao elogio da loucura, escuto A.C. confidenciar-me, sorrindo, que quem tirou a sua virgindade foi uma mulher: “Tu a conheces, ela é louca! sabias?” diz A.C. olhando para mim à procura de aprovação. “Sim, ela é louca”, repetiu.  Logo acrescentei:  “E quem não é louco?” Desta feita silenciou, não respondendo nada.

Meu Deus, como as mulheres se escravizam ao sexo! Neste capítulo, nada a fazer, nada a declarar. Insistir, já é loucura.

Na tarde de ontem, o John Richardson, biógrafo de Picasso, do alto de sua prosopopeia, declarou que Olga Picasso era louca; que Marie-Thérèse Walter era belíssima, mas primária e que acabou se enforcando cinquenta anos depois de ter conhecido o artista; que Dora Mar era inteligente, mas inconveniente, neurótica e excessiva em tudo. E, como se não faltasse mais nada, um tanto kafkiana. Enfim, um azarão; Françoise Gillot era… Engraçado, sobre esta jovem, Richardson não diz nada, apenas cita trechos do seu livro escrito a quatro mãos contra Picasso. Se Richardson não diz nada  relativo à  Françoise é porque certamente estão mancomunados. Richardson insinua que o poeta Eluard oferecia abertamente a sua bela esposa Nush ao amigo Picasso e, quanto a Jacqueline Roque,  com  quem  o  pintor  se casou em segundas núpcias, Richardson não diz muito, mas deixa subentendido, claramente, que ela fisgou o velho polígamo com unhas e dentes, apressando assim o desespero e a  morte de Marie-Thérèse, que também, por sua vez, tinha lá as suas pretensões matrimoniais, etc. Enfim, um amontoado de escândalos no seu paroxismo. Se enfoquei tão somente esses aspectos negativos amorosos, foi motivado pela insistência do próprio Richardson de dar-lhe um amplo significado. Em geral, a visão restante das análises cronológicas dos velhos ritos picassianos é excelente e justa, perseguindo sempre a pista de boas e dilatadas elucidações. Vê-se que o crítico admirava Picasso sem reservas, conhecendo bem seus amigos, as influências temperamentais recíprocas e, sobretudo, a gênese de suas principais obras. Contudo, o mesmo não acontece com as intrujices a propósito do “louco amor de Picasso”. Terá sido o pintor tão louco assim? Há qualquer coisa no cerne deste estudo que não me cheira bem, e, no fundo, quem sai chamuscado é Picasso. Na minha opinião o que foi escrito permanece terrível, mas é igualmente belo nas suas indiferenciadas digressões e nas suas encantatórias e definitivas descobertas.

O artigo foi lido e é medonho como história e suas inevitáveis consequências. A vida em si já é um horror, mas na sua multiplicidade de aspectos acaba por purificar o mal, mantendo-o disfarçado sob um manto da fantasia, o que não acontece quando se codifica cronologicamente todos os eventos, e se verifica com frieza aquilo que, ainda não tendo nome, poderia cair no esquecimento e jamais ser denominado. À luz dessas três ou quatro páginas de jornal, Pablo Picasso poderia ser tomado isoladamente como monstro, e sua relação íntima ou casual com as mulheres  que conheceu, uma verdadeira monstruosidade.

Todas essas linhas ou anzóis colocados em torno do artista, acabaram por fisgá-lo. E, assim, é analisado, como um peixe já fora d’água, fora do seu meio ambiente e de suas circunstâncias vitais, portanto, já sufocado e morto.

Há poucos meses, nesses mesmos cadernos culturais, li algo semelhante, escrito por James Snyder, outro norte-americano, discorrendo sobre aquilo que chama “uma nova imagem de Rembrandt”. Na realidade é uma apreciação despropositada, abordando  um ensaio de Gary Schwartz sobre o mesmo artista, Rembrandt, His Life, His Painting. Diferentemente do alto conceito de Eugéne Fromentin sobre Rembrandt, esse Sr. Schwartz, entre outras preciosidades, começa a nos dizer que o pintor até carecia de talento… De saída diz ele: “Partindo de um estudo exaustivo e acurado de documentos (será que a vida se resume a uma prova documental?), em sua maioria relativos aos clientes, o autor fornece um vívido retrato de Rembrandt caracterizando-o como uma pessoa repugnante e indigna de confiança: ávido, fútil, insociável, grosseiro e arrogante…”

Certamente o Sr. Schwartz estava escrevendo uma autobiografia e não um suposto retrato do artista, esquecido de que o sensato Montaigne já sabiamente comentara que “todo homem carrega em si a forma inteira da humana condição”.

Afinal de contas esses enlouquecidos norte-americanos estão nos saindo melhor do que a encomenda. Já dizia Durrell, com muito mais propriedade do que John Richardson ou Gary Schwartz et caterva, que “tudo o que se disser de um homem (de qualquer pessoa) poderá ser verdade. O Santo e o Canalha partilham a realidade”. E tem toda a razão Durrell quando completa: “Se as coisas fossem sempre o que parecem ser, como se encontraria empobrecida a imaginação dos homens?”

A tese da morte da arte ainda significa mais do que parece.

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Por Umberto Eco
The New York Times/UOL

Enquanto discutiam o novo livro de Frédéric Martel, “Mainstream”, em uma edição recente do jornal italiano “La Repubblica”, Angelo Aquaro e Marc Augé retornaram a uma questão que desponta com muita frequência, mas sempre por novos ângulos –a distinção entre alta e baixa cultura. É claro, um jovem que atualmente escuta indiscriminadamente Mozart e música folk pode considerar isso irrelevante. Mas vale a pena apontar que o assunto era quentíssimo há meio século. Em 1960, o crítico cultural americano Dwight Macdonald escreveu um ótimo ensaio intitulado “Cultura de Massa e Cultura Média”, no qual identificava não apenas dois, mas três níveis de cultura.

Macdonald argumentava que Joyce, Picasso e Stravinsky representavam a alta cultura, enquanto os filmes contemporâneos de Hollywood, o rock e as capas da revista “The Saturday Evening Post” (muitas de autoria do pintor americano Norman Rockwell), definiam a “cultura de massa”. Mas Macdonald também identificou um terceiro nível cultural, a “cultura média”, que ele associou aos produtos de entretenimento que tomavam emprestado alguns estilos da vanguarda, apesar de permanecerem basicamente kitsch. Entre os exemplos passados de cultura média, Macdonald listou a obra do pintor vitoriano nascido na Holanda, sir Lawrence Alma-Tadema, e o dramaturgo francês da virada do século, Edmond Rostand. Quanto aos artistas de cultura média de seu próprio tempo, Macdonald apontava para Ernest Hemingway em seu período final e o autor americano Thornton Wilder, cuja peça de 1938, “Nossa Cidade”, ganhou o Prêmio Pulitzer. Muito provavelmente, Macdonald poderia ter acrescentado W. Somerset Maugham, Sándor Márai da Hungria e o sublime e prolífico romancista de origem belga, Georges-Joseph-Christian Simenon. (Macdonald teria classificado os romances de detetive de Simenon, contendo o inspetor de polícia Jules Maigret, como cultura de massa, e as obras de Simenon sem Maigret com sendo cultura média.)

A divisão entre cultura popular e alta cultura não é tão antiga quanto as pessoas pensam. Augé cita no La Repubblica o funeral do autor francês Victor Hugo, que contou com a presença de centenas de milhares de pessoas (a obra de Hugo era cultura média ou alta?), enquanto as tragédias de Sófocles eram desfrutadas até mesmo pelos vendedores de peixe de Pireu. Assim que foi lançado, o romance de Alessandro Manzoni do início do século 19, “Os Noivos”, teve várias edições, um sinal claro de sua popularidade. E não vamos esquecer da famosa história do ferreiro cantor, que misturava os versos dos poemas de Dante, o que enfurecia o poeta, mas também revelava que até mesmo os iletrados conheciam sua obra.

É verdade, na Roma antiga as pessoas abandonavam as apresentações das peças de Terêncio para ir ao circo e assistir aos ursos. Mas mesmo em nossos tempos, intelectuais de renome já deixaram de ir a concertos para assistir a um jogo de futebol. O fato é que a distinção entre dois (ou três) níveis de cultura geralmente fica clara apenas quando a vanguarda histórica provoca deliberadamente a burguesia ao celebrar a não clareza ou a rejeição de uma apresentação como valores artísticos.

Esta ruptura entre alta e baixa cultura aconteceu em nossos tempos? Não. Compositores clássicos do século 20, como Luciano Berio e Henri Pousseur, levavam o rock muito a sério, e muitos músicos de rock sabem mais sobre música clássica do que alguém pensaria. O estouro da pop art na metade do século subverteu as hierarquias culturais tradicionais: hoje, o prêmio por ilegibilidade vai para algumas histórias em quadrinhos extremamente obscuras (o que atualmente chamamos de “graphic novels” (romances gráficos)), enquanto muitas trilhas sonoras de filmes spaghetti Western são consideradas música de concerto. Hoje, basta você assistir a um leilão televisionado para testemunhar pessoas que alguns chamariam de “não sofisticadas” (no meu entender, qualquer pessoa comprando uma pintura pela televisão não é membro da elite cultural) comprando telas abstratas, de alta arte, que seus pais teriam desdenhado como pinturas pintadas pelo rabo de uma mula. Como colocou Augé: “Entre a alta cultura e a cultura de massa sempre há uma troca subterrânea, e com muita frequência a segunda alimenta a riqueza da primeira” (e, eu acrescentaria, vice-versa).

No mínimo, a distinção moderna entre os níveis culturais mudaram de um foco no conteúdo ou forma de uma certa obra para o modo com que ela é desfrutada. Em outras palavras, não há mais diferença entre Beethoven e “Jingle Bells”. A música de Beethoven, que atualmente foi reimaginada como muzak de elevador e uma série de ring tones, é desfrutada sem a atenção consciente do ouvinte (como o crítico cultura Walter Benjamin teria colocado), e portanto passa a lembrar um jingle publicitário. Por outro lado, um jingle criado para uma propaganda de detergente pode se tornar tema de análise crítica, e ser apreciado por seus aspectos rítmicos, melódicos e harmônicos.

Mais do que a obra de arte em si, o que mudou é nossa abordagem em relação a ela. Aqueles com um ouvido desatento podem escutar Wagner como uma trilha sonora de um reality show, enquanto aqueles com gostos mais refinados podem se recostar e desfrutar de “Tristão e Isolda” por seus méritos próprios, mesmo em ancestrais discos de vinil.